CON EL CINE EN LOS TALONES

ESCANDALO EN PARÍS (DOUGLAS SIRK - 1946)

2012-01-27T11:32:00.000+01:00

Eugène-François Vidocq fue unpersonaje real que fogueado en el hampa parisino alcanzó el cargo de primerdirector de la Sûreté Nationale. La experiencia es sin duda un grado y uncurriculum como el suyo aseguraba el conocimiento en primera persona delsórdido submundo de la delincuencia en la Francia revolucionaria, por lo que laidoneidad para el cargo parecía asegurada. Ladrón antes que policía. Cocineroantes que fraile, que se dice.

Escándalo en Paris es unapelícula del gran Douglas Sirk con Vidocq como personaje central. Una pseudobiografía que, respetando la idea central del tránsito entre calabozos y sillónpolicial, no parece tener muchos más puntos de contacto con la autenticidadhistórica. Ello, sin embargo no impide que nos encontremos ante una magníficapelícula espléndidamente interpretada por George Sanders, con actores de latalla de Akim Tamiroff o incluso de un semi-desconocido Gene Lockhart quienborda su papel de ex inspector de policía, amén de marido indignadísimo yobsesionado por cazar a un delincuente que se dedica a robarle a su futuraseñora “in situ” una liga cargadita de piedras preciosas.

Quien mejor que el truhán-señorGeorge Sanders para el papel de ladrón astuto, embaucador Casanova,gentilhombre de presencia y cultura y San Jorge en ratos libres. No. No estamosante un film religioso pero la restauración de un antiguo cuadro representandoa San Jorge y el dragón tiene su importancia en el argumento y en esa línea lapelícula está cargada de simbología: El látigo y la serpiente o el dragónatravesado por la lanza en una de las escenas finales.

La película es una sucesión demomentos memorables, de diálogos a veces realistas y a veces irónicos. Siempreatinados. La fotografía parece retrotraernos a un expresionismo alemán que dejasu juego de luces y sombras nocturnas sobre el empedrado de las vías francesas.Acertada banda sonora a la que se suma una voz en off que en primera personanarra, con el tono de un cuento para mayores, unos acontecimientos a menudocómicos, a veces trágicos, y siempre interesantes para un espectador que sepega a la historia como una lapa a la roca.

Resulta curioso descubrir en el“rey del melodrama cinematográfico” estas otras facetas artísticas.Somos muy dados al encasillamiento. Sin embargo Sirk tiene grandes trabajos enotros terrenos. En esta línea también he visto recientemente “ ¿Alguienha visto a mi chica?” con Piper Laurie, Rock Hudson y Charles Coburn, unacomedia con un nivel de calidad francamente bueno y por encima de la mediahabitual.

Agradecer a Orsonwelles de“Las cosas que hemos visto” la recomendación de este magníficofilm.

¡Ah! Y no se extrañen si albuscar en Google la película se topan de bruces con los escándalos deParis-Hilton.

Puntuación: 7,75

OPERACIÓN CICERON (JOSEPH L. MANKIEWICZ - 1952)

2012-01-09T23:22:00.004+01:00

Para mí, uno de los mejores trabajos de Joseph L. Mankiewicz junto con Eva al Desnudo, Carta a tres esposas y La Huella, sin que ello suponga menoscabo del resto de su obra. Un magnífico director que no comulgaba demasiado con el sistema de los estudios cinematográficos y que realizó aquí su última colaboración para la Fox, compañía en la que había recalado tras un fallido encuentro con la MGM y con Cecil B. de Mille.

Tras el éxito de Eva al Desnudo que le supuso su segunda estatuilla y a pocos meses de finalizar su contrato con la Fox, los propósitos de Mankiewicz se encaminaban hacia una cierta independencia, pero la compañía a la que aún estaba ligado quiso capitalizar en su favor el éxito de los Oscars y le encomendó el proyecto de “Five fingers” (nombre original), inicialmente confiado por Darryl F. Zanuck a Henry Hathaway, un especialista en historias reales y en rodajes “in situ”

Mankiewicz recoge el pre-rodaje de Hathaway, el guión de Michael Wilson, basado en el libro de Ludwig Carl Moyzisch, al frente de los servicios secretos alemanes en Turquía en el tiempo de los hechos, e incluso al propio James Mason elegido por Hathaway quien también lo dirigió en Rommel el Zorro del Desierto. Y a todo ello le imprime su sello personalísimo, sus diálogos agudos y apropiados, y su magistral forma de entender el cine, concibiendo así una de las obras maestras del cine de espionaje de todos los tiempos.

Estamos ante la historia real de Elyesa Bazna, ayuda de cámara del embajador inglés en Ankara quien fotografió y vendió a los alemanes multitud de documentos calificados de alto secreto, historia que se narra en el libro de Moyzisch, implicado en el asunto, y que se corroboró posteriormente con la biografía del propio Bazna “Yo fuí Cicerón” en alusión al nombre en clave otorgado por los servicios secretos germanos.

La realidad de los hechos no impide que el guión incluya elementos ficticios. En la medida que la línea principal se ajusta a lo acontecido y lo accesorio mejora notablemente el film, los espectadores asistimos a una película cargada de intriga, suspense y, por momentos, acción, con un final absolutamente sorprendente donde lo importante quizás no sea si la verdad fue esa o no, sino los matices que mejoran una historia ya de por si interesante.

Para quienes como yo se acerquen a la película con el mismo (imperdonable) desconocimiento, “Operación Cicerón” supondrá el maravilloso descubrimiento de una película magistral.

Puntuación: 8,75

LA MUJER Y EL MONSTRUO (JACK ARNOLD - 1955)

2012-01-04T13:02:00.001+01:00

Soy consciente de que pasar del comentario de clásicos universales como El padre de la Novia a esta “La mujer y el monstruo” supone un cambio radical. Algo así como despertarse de la siesta y marcarse un doble salto mortal con tirabuzón y sin red. Pero ¿De que va este Caprio? Seguro se preguntan. Muy simple: Cinefilia crónica y progresiva.

Por una parte he tratado de llenar una laguna (no precisamente negra) visionando uno de los trabajos más reconocidos de Jack Arnold, documentalista en sus orígenes y posteriormente experto en ciencia ficción. Y hacerlo con esta “criatura de la laguna negra” es una buena forma, especialmente si pensamos en su influencia en trabajos de otros directores como Spielberg (Tiburón) o en las referencias encontradas hasta en trabajos del gran Billy Wilder como La Tentación vive arriba, cuando a la salida de un cine en que se proyecta esta película se dispara el ventilador subterráneo en una de las escenas más famosas no solo de este film sino del cine en general.

También los proyectos de remake no me han dejado indiferente, como tampoco lo ha hecho la muy posible inspiración del monstruo acuático con los engendros espeluznantes creados de las pesadillas de H.P.Lovecraft. También las innovaciones técnicas del 3D son otro punto a favor.

Pero una cosa son las perspectivas y otra la realidad. Y esta nos habla de una criatura que a todas luces se ha mantenido en el mismo estadio evolutivo desde el devónico, en un hábitat como el amazónico apenas hollado por el hombre y cuya tranquila existencia viene a ser turbada por un equipo de geólogos e ictiólogos tratando de adjudicarse uno de los descubrimientos más importantes de la historia de la humanidad.

Con los medios técnicos actuales el film tendría todas las cartas para ser uno de los más espectaculares y taquilleros de todos los tiempos. Pero aquello era el 55, ya saben, y para mas inri, serie B, low bullet, mucho maquillaje y un buen nadador con grandes pulmones para resistir under the sea. Dificultades que no nos deben desanimar sino, al contrario, hacernos valorar la historia que se nos cuenta muy al estilo King Kong o La bella y la bestia, con tomas submarinas de calidad y un artístico ballet acuático donde Julie Adams (habitual en series televisivas de los 60, como 77 Sunset Street) muestra sus habilidades natatorias y logra con su interpretación el papel estelar de su carrera.

La “rana y la princesa”, los sentimientos en embrión de un antecedente humano, la codicia y el amor por la investigación, la aventura e incluso momentos de suspense, son la oferta de este film que hay que ver, mas que con gafas tridimensionales, con ojos de un buen amante del cine.

Puntuación: 7,15

EL PADRE DE LA NOVIA (VINCENTE MINNELLI - 1950)

2012-01-01T13:34:00.001+01:00

Minnelli bien merece un estudio personalizado. Y los amantes del buen cine de no importa qué tiempo, nos merecemos un ciclo Minnelli. Bien, pues una película que no puede faltar es “El padre de la novia”. A algunos les sonará este título más por su remake con Steve Martin que por este trabajo donde luce con su mejor estrella Spencer Tracy. No es cierto eso de que segundas partes nunca fueron buenas pero generalmente las primeras son mejores y por ello animan a repetir en busca del éxito que aquellas consiguieron.

Siempre he defendido la idea de que las comedias son un género que, sacado de su tiempo y sus contextos, se diluye como la sacarina en el agua. Las carcajadas se tornan, con suerte, sonrisas y las sonrisas, mohines, y el efecto es especialmente acusado cuando las películas de otro tiempo son vistas en la soledad del espectador de fondo frente al televisor. Los espectadores de otro tiempo y de otro hábitat estamos inhabilitados para aportar esa complicidad que muchas veces el humor “cotidiano” exige. Sin embargo, la cosa cambia cuando las situaciones no están tan localizadas en una época y en un lugar. Tal es el caso de El padre de la novia.

Porque los temores, las preocupaciones y los comportamientos de El padre de la novia son universales. Y todos quienes hayan vivido situaciones análogas – aún no es mi caso – encontrarán similitudes aunque evidentemente exageradas para desencadenar sonoras carcajadas. La actuación de Spencer Tracy como padre de una prematrimonial Elizabeth Taylor es una gozada para quienes nos gusta esto y está en la línea de sus mejores papeles. Preocupado en principio por la condición del novio, obligado a un interrogatorio en el que es el propio progenitor quien acaba confesando, y estresado por el montaje de una boda que se pretendía sencilla pero que acaba convirtiéndose en una representación multitudinaria y plena de convencionalismos, Tracy sabe dotar al personaje de un carácter especial mezcla de simplismo y de veneración por su hija.

El gran mérito de Tracy es esa identificación con el hombre corriente. Muchos de nosotros nos reconocemos en algunas de sus actitudes o de sus pensamientos. Sabemos que exagera, pero también sabemos que todo respira realidad por los cuatro costados. Minnelli sabía que era el actor ideal para dar al personaje esa ambivalencia cómico-dramática, y por ello aunque se barajaron nombres como el de Jack Benny, acabaron convenciendo a un molesto Tracy que no le gustaba ser plato de segunda mesa.

Su éxito en taquilla se vio potenciado con la boda real de Liz Taylor con el heredero del imperio Hilton, Conrad Nicholas Hilton, poco antes del estreno. Contaba 18 años. La MGM aprovechó la buenísima acogida del film para una secuela “El padre es abuelo” también protagonizada, como no podía ser de otro modo, con los mismos actores, entre los que, además de los citados, destacar a una excelente Joan Bennet, en un papel algo madurito pero en el que deja sellos de su incuestionable calidad.

Siempre habrán aquellos a los cuales este enfoque de la vida americana sin problemas de verdad y muchos whiskys, martinis y Coca Colas en publicidad no encubierta, les parezca deplorable y rechacen de plano la película. Hay que respetar cualquier opinión. Sin embargo, bajo mi criterio, el tratamiento desenfadado de ciertos temas o la imagen de clase que a veces ofrece el cine, especialmente el clásico, no nos nubla la visión y sabemos que hay situaciones reales crudas y descarnadas. Una cosa no excluye la otra. Y el que nos riamos durante hora y media con las peripecias de un padre al que se le casa la hija no excluye que tengamos plena conciencia de las injusticias sociales sean del país que sea.

Puntuación: 8,00

!!! FELIZ 2012 PARA TODOS !!!

EL CASO DE THOMAS CROWN (NORMAN JEWISON - 1968)

2011-12-17T14:07:00.000+01:00

Encuadrada en un género que las ha visto mejores, pongamos que hablo de Atraco Perfecto de Kubrick, El caso de Thomas Crown toma como referente el atraco a un banco para derivarnos hacia una historia donde lo sensual prima sobre lo romántico y lo crematístico se merienda claramente al amor. El film pivota sin ninguna duda sobre sus dos protagonistas principales (Steve McQueen y Faye Dunaway) quienes apenas dan cancha al resto del reparto, donde destacaría a Jack Weston. Y puestos a elegir me quedo con ella, en una interpretación claramente doble que simultanea arrumacos con traiciones y comunión de ideas con los egoísmos más exacerbados.

Y es que la recuperación del dinero robado al diez por ciento de comisión no deja huecos para cariñitos y esas cosas. Y nuestra Faye tiene tan bien amuebladas las piernas como las neuronas. Tonta no salió la niña. Frente a ella, MacQueen en su papel de millonario con ganas de vivir peligrosamente, da bien la réplica y encaja con la misma cara de palo de Keaton, los directísimos que ella le lanza. “Empieza el tercer asalto” llega a decirle ella, tras enfrentarse cara a cara con su cómplice en el atraco y sin parpadear. “El segundo lo ganaste”. O sea que el símil con el boxeo no está mal traído.

Tanto la planificación como el desarrollo de los atracos, con su habitual carga de suspense, suelen deparar los mejores momentos de este género cinematográfico. Así sucede en El caso de Thomas Crown. Sin embargo esta suerte de combate pugilístico entre la capturadora y su presa alterna momentos memorables como una partida de ajedrez donde los dedos resbalan sobre los alfiles lo mismo que sobre los labios entreabiertos, poniendo la seguridad de Thomas Crown en jaque, con otros donde la película parece languidecer y girar sobre sí misma con riesgo de aburrimiento para el espectador. Las innovadoras técnicas del cine de los 60 con que Jewison conjunta determinadas escenas no favorecen demasiado la calidad artística del film y más parece un ejercicio de “nuevas miradas” o de cine alternativo. Algo similar ocurre con la canción insignia que, no obstante resultar premiada y sonarnos, acaba resultando un poco tostoncete.

En definitiva, un film del que pueden entresacarse buenas cosas pero que en conjunto acaba resultando algo aburrido, escasamente creíble (sagacidad y adivinación no son la misma cosa) y muy previsible en su desenlace. Su valor estriba en la fuerza de sus dos personajes y en ese sentido la elección de Steve McQueen y Faye Dunaway, especialmente esta, la encuentro acertada. Aparte de ello, algo más, pero poco…

Puntuación: 7,00

LA NOCHE DE LOS GIGANTES (ROBERT MULLIGAN - 1968)

2011-12-07T11:06:00.001+01:00

Todos los amantes del cine guardamos un excepcional recuerdo de Matar a un ruiseñor, un film capaz de impactar todas nuestras sensibilidades y que supuso para Gregory Peck su único Oscar. Pues bien, Peck y Robert Mulligan vuelven a unirse en The stalking moon, film que, sin alcanzar a su precedente, es un exponente magistral de cine hecho con fundamentos.

A priori, el western no es el género más propicio para poner a prueba nuestra capacidad de sentir y nuestro grado de receptividad ante ese rastro del dolor que se cierne sobre seres ajenos, por mucho que aparenten estar hechos de celuloide. Sin embargo, Robert Mulligan consigue que los rifles hablen lo justo e imprescindible y que los silencios lo expresen todo con claridad meridiana. En este sentido Robert Mulligan recuerda a Jacques Tourneur cuyas incursiones en el western aportaron una gran carga de humanidad, con muertos que tenían familia y seres queridos que los enterraban y lloraban. No eran solo jinetes que se caían del caballo y nunca más se sabía de ellos. La historia real de la conquista del Oeste seguro que se escribía con lágrimas. De ira, de rabia, de dolor, de pena…

El rescate de una mujer (Eve Marie Saint) capturada por los apaches y con un hijo fruto de la relación con el más letal de todos ellos, conocido por “Salvaje”, así como la relación tan intensa como sensible que se va fraguando con un retirado explorador del ejercito (Peck) son las dos líneas directrices de un film excepcional aunque impropio del western, y que en algún sentido evoca aquellos argumentos “run the arrow” donde los personajes son acosados, asediados y perseguidos de forma implacable en una auténtica caza humana. Aquí el perseguidor es “Salvaje” y las presas son todos aquellos que se interpongan entre él y su propio hijo.

Gregory Peck vuelve a realizar otra interpretación magistral. Muy lejos quedan aquellos westerns donde Peck tenía mucho de actor académico y poca expresividad vital. Buenísimo actor donde los haya debía pasar sus pruebas de fuego, y desde luego las películas de Robert Mulligan le ofrecieron la posibilidad. Y aprobó, con nota. Cum laude…

Eve Marie Saint parece no resistir la comparación. Tal vez me ciegue cierta debilidad por esta actriz a la que no es extraña su participación en mi film de cabecera, pero debo decir que en un papel donde se imponen la quietud y los silencios, está inmensa. Su interpretación no exige gestos. No precisa frases. Tan solo se necesitan unos ojos expresivos, escaparate, en ocasiones, de alegría contenida, y en otras de húmedo dolor.

Film de momentos geniales, de escalofríos en una espalda, la nuestra. De sublimación de la amistad, de conocimiento del amor, de sentirse seres vivos con sangre caliente en las venas. Instantes como la silenciosa espera de un tren, como el momento de compartir una mesa, como la pérdida de un amigo, como una bella declaración de amor… Todo medido y justo. Un segundo rifle que se acarrea o una baraja de cartas que se regala a un niño, cuentan la historia mejor que los periódicos o los libros. Nosotros solo tenemos que estar ahí con las sensibilidades abiertas.

Film muy poco conocido pero absolutamente magistral.

Puntuación: 8,70

DOS SEMANAS EN OTRA CIUDAD (VINCENTE MINNELLI - 1962)

2011-11-23T12:28:00.001+01:00

No sé si la doble incorporación del mundo cinematográfico a los argumentos de Minnelli (Cautivos del Mal y Dos semanas en otra ciudad) se queda simplemente en eso o es el reflejo del repulsivo aroma que se escapa de las marmitas donde bullen los intereses más interesados, de productores, actores, periodistas y star-systems varios. La fama, el dinero, las portadas de la prensa del corazón exigen su tributo. El glamour es pura fachada. ¿Qué hay debajo? Minnelli y un par de semanas en Roma nos lo aclaran.

Jack Andrus (Kirk Douglas) reconocido actor, ganador de un Oscar, tras 3 años de internamiento en un sanatorio siquiátrico (vuelto literalmente loco por su ex mujer Carlotta) acepta una oferta de trabajo de Maurice Kruger (Edward G. Robinson) director de cine y amigo personal. Esta su “vuelta al ruedo” cinematográfica” supondrá la reactivación de sus antiguos fantasmas y la aparición de alguno que otro nuevo.

Reconozco que esta sinopsis es en exceso simple, aunque suficiente para ponernos en posición. Se trata simplemente de una línea argumental alrededor de la cual se entrelazan con mayor o menor fuerza una serie de historias calificables de muchas maneras, pero con el rasgo común de inconfesables, y donde encontramos productores cuya religión es el beneficio por encima de todas las cosas, egocéntricos directores más preocupados por su estilo personal que por el propio film, actrices especialmente bien dispuestas a cambio de un buen papel, esposas heridas y esposas hirientes, actores niñatos y niñas que confunden la libertad con la inmadurez. Y en medio Andrus (Douglas) el ex loco o ¿debería decir? el más cuerdo de todos ellos.

Un buen film al que el mismo mundillo que representa cercenó de forma impía. Así, una escena donde Carlotta (Cyd Charisse) dejaba claro el dominio sobre su entonces marido (Andrus) fue eliminada por el productor (Housemann), lo mismo que la escena de la orgía cuyas reminiscencias fellinianas y de La dolce vitta son evidentes se dejó en la mínima expresión por mor y desgracia de las autoridades de la MGM. Es por ello que los espectadores tenemos la sensación de que faltan cosas: Carlotta y Andrus, Kruger y Andrus, Kruger y su esposa (magistral Claire Trevor, homenaje a Cayo Largo), son personajes esbozados y en busca de definición.

Tal vez la obra de Irvin Shaw no los pintara con trazo gordo. Tal vez, y lo creo más posible, se difuminaran en despachos de producción. Tal parece que lo intentaron pero no consiguieron destruir un buen trabajo de Minnelli con actores excelentes y que resiste la comparación con Cautivos del Mal, film que, por cierto, se incorpora al guión, como ejemplo entre ficticio y real de la trayectoria profesional de uno de los grandes actores de todos los tiempos: Kirk Douglas.

Puntuación: 8,00

LA COSTILLA DE ADÁN (GEORGE CUKOR - 1949)

2011-11-17T19:15:00.000+01:00

Más allá del elemento básico para la creación de Eva, La costilla de Adán es una comedia americana de finales de los 40 dirigida por el maestro Cukor e interpretada por una de las parejas más carismáticas de la historia cinematográfica, pongamos que hablo de Spencer Tracy y Katharine Hepburn. A diferencia de las llamadas “screwballs”, donde la comicidad se conseguía a base de situaciones zigzagueantes y disparatadas, nos encontramos frente a una mezcla de humor inteligente y cine con fundamentos, capaz de satisfacer a los paladares más exigentes.

La historia, gestada por Garson Kanin y Ruth Gordon, los guionistas más importantes en la carrera de George Cukor, refiere el enfrentamiento en los Juzgados, del matrimonio Bonner (Tracy y Hepburn), fiscal y abogado defensor respectivamente, con motivo del juicio por intento de asesinato de Doris Attinger (Judy Holliday) mujer engañada y agredida constantemente por su marido. La contienda jurídica se traslada inevitable al hogar familiar deviniendo en conflicto matrimonial, auspiciado también por los coqueteos de un vecino compositor y pianista, y por más señas “flor de otoño”, enamorado de Amanda para quien compone una pegadiza canción de éxito.

Con las formas del delito cometido por la esposa ultrajada, en el fondo el film supone un alegato feminista en contra de la discriminación de la mujer y su verdadera igualdad ante la Ley. Las canas al aire consentidas al miembro varonil de la pareja son impresentables por lo que hace al femenino, y esta circunstancia que formaba parte del sustrato cotidiano de una sociedad tan desarrollada como la norteamericana de la época es la que trata de cambiar Amanda Bonner y sobre la que estructura toda su defensa.

Película de momentos insignes, de carcajadas más que incipientes, de actuaciones geniales y, sobre todo, de un director como Cukor que a su conocimiento del alma femenina unía su dominio de las artes del cine y del rodaje. Claro que al lado de actores como Tracy y Hepburn todo era especialmente más fácil, pero no neguemos al Cesar lo que es del Cesar.

Un apunte final. No se pierdan la secuencia circense en el Tribunal protagonizada por Hope Emerson (Caravana de Mujeres). Un momento para recordar.

Puntuación: 8,90

ESTA TIERRA ES MÍA (HENRY KING - 1959)

2011-11-14T02:29:00.003+01:00

De idéntico nombre a la excepcional película de Renoir, este trabajo de Henry King es un melodrama bastante descafeinado y con trazas de habérsele metido tijera en demasía, que dejará contentos a los seguidores de Jean Simmons y Dorothy McGuire y quizás también a los de Rock Hudson, aunque éste las ha tenido mejores. De Claude Rains solo puedo decir una palabra: Profesional.

La historia de una familia de viticultores franceses en los viñedos californianos evoca con facilidad los avatares de aquella Falcon Crest televisiva, aunque estos Rambeau se mueven un tanto entre el quiero y no puedo, en un término medio que al género melodramático le sienta muy mal. Porque, coincidirán conmigo en que las intrigas unidas a las ansias de poder y de dinero son elementos imprescindibles en este tipo de cine. Aquí, haberlas hailas pero de baja intensidad, como si se pidieran perdón por alguna que otra salida de madre. Así, John Rambeau (Hudson) pasa de cabecilla de la revolución familiar a humilde granjero injertando cepas o la propia Jean Simmons (Elizabeth Rambeau) que parece haberse incorporado a la familia con alguna intención no demasiado confesable, acaba siendo su reserva espiritual.

Como he dicho al principio la película, que sobrepasa las dos horas, acusa en demasía los tijeretazos. Es cierto que los espectadores somos seres inteligentes a los que se nos cuenta la mitad y componemos el retablo entero, pero tampoco hay que abusar, que más de uno puede quedarse en el camino. Desde el principio se ponen a prueba nuestros conocimientos de genealogía familiar y debemos rebobinar para saber quién es quién y quién se acostó con quién. No se preocupen si suspenden pues al final el aprobado es generalizado con la frase de Rock Hudson a su progenitor natural: “Padre” “Lo sé hace mucho” Y es que el niño prometía…

Película no excelente pero entretenida. Seguro que las habrán visto peores. Las tribulaciones de una familia dedicada al vino durante la Ley Seca merece cuando menos un homenaje, sobre todo si es honrada y tratan de subsistir únicamente vendiendo las uvas para que con ellas se elabore vino para misa, se conviertan en pasas o se coman supongo que con queso, que saben a beso. Y todo ello durante doce años, que no serán nada pero arruinan a cualquiera.

Los viñedos como fondo, la ambición en primer plano, el amor por todas partes y el “honore” italiano condicionando la historia, son los elementos de un film de King más bien light que, a mi parecer, merece un aprobado, siquiera sea por su excepcional reparto, su fotografía en cinemascope y porque en líneas generales se deja ver con interés.

Puntuación: 6,80

LA VIUDA ALEGRE (ERNST LUBITSCH - 1934)

2011-10-12T20:04:00.000+02:00

Del mismo modo que la salud del cuerpo exige el ejercicio físico, la salud cinéfila exige de tanto en cuanto un Lubitsch. Ponga un Lubitsch en su vida o Todos los días un Lubitsch por lo menos podrían ser consignas de obligado seguimiento. Lubitsch es garantía de ese entretenimiento inteligente que regenera nuestras neuronas y cuyo mayor exponente es su famosísimo toque. Pero aun en aquellas contadas ocasiones en que la flauta mágica del alemán no alcanza tan excelso registro, las notas que de ella salen superan lo imaginable y muy pocos directores consiguen estar a su nivel.

La viuda alegre es una excelente comedia musical donde el gran Ernst Lubitsch se mueve como pez en el agua. Basada en la famosa opereta de Franz Lehar la acción se sitúa en Marshovia, pequeño reino cuyas finanzas se sostienen gracias a la fortuna de Madame Sonia, viuda interpretada por la cantante y actriz Jeanette MacDonald. Su marcha a París supone una crisis financiera que trata de resolverse enviando tras ella al galán y mujeriego Danilo (Maurice Chevalier). A partir de ese momento surge la comedia, el enredo y el ojo de Lubitsch, un director al que se le dan bien todas las temáticas y sabe salir airoso de todas las situaciones. Genios de la talla de Billy Wilder cuando se atascaban – porque “nadie es perfecto” – se interpelaban a si mismos “¿Como lo habría resuelto Lubitsch?” y si respondían con un mínimo de acierto a esta cuestión tenían prácticamente asegurado el éxito y la genialidad.

Pues bien, les decía, que Lubitsch se manejaba bien en todos los ambientes, pero el de la corte y la nobleza era una de sus especialidades. Recuerdo El Príncipe Estudiante, El abanico de Lady Windermere, La zarina y algunas más como películas que se mueven en el entorno de la realeza. Y en general, la mayoría de sus trabajos se desenvuelven entre clases adineradas y de la jet de su tiempo. Así que en La viuda alegre se encuentra como pez en el agua y ello tiene su reflejo en unos decorados fastuosos cuya fotografía es una muestra de arte y sensibilidad, en unas escenas de bailes de salón que hacen palidecer a las de El gatopardo, en unos diálogos irrepetibles por alguien que no sea Lubitsch, en unos silencios esclarecedores como no hay otros, donde hasta las puertas hablan más que las personas.

Se ha dicho que es una obra menor del gran Lubitsch. ¡Denme obras menores! ¿Se nota que me gusta su cine! Miren, ustedes, Lubitsch es tan genial – y hablo en presente porque es imposible que un genio así muera – que hasta consigue que me guste Chevalier, actor contra el que no tenía nada personal pero que no acababa de resultarme adecuado como galán. Lo borda. Jeanette MacDonald, voz prodigiosa, nos convence como actriz.

Y encima uno de mis actores-debilidad, Edward Everett Horton, asíduo de Lubitsch…

No lo dudo…

Puntuación: 10 (no se pueden guardar los dieces eternamente)

LA FIERA DE MI NIÑA (HOWARD HAWKS - 1938)

2011-10-06T00:59:00.000+02:00

Hacer una crítica sobre una película tan mítica como ésta no resulta fácil. Si juegas a favor de viento corres el riesgo de ser tachado de cinéfilo que no va más allá de clasificaciones y películas que deben verse aquí (seguramente porque en el otro barrio no las proyectan) y si el viento te da de frente siempre habrá quien ponga en tela de juicio tu competencia para emitir, no ya dictámenes, sino tan siquiera opiniones. En ese dilema uno no ve más que una salida: Mi verdad.

¿Y cuál es esa? Pues miren ustedes, les anticipo que sumando pros y restando contras la resultante sigue siendo muy positiva. Ciertamente no creo que estemos ante un film perfecto pero sí ante un film con momentos perfectos. No estamos ante, a mi juicio, el mejor Cary Grant sino ante un actor que estaba muy arriba pero sin alcanzar todavía su lugar propio en la comedia, lugar que alcanzaría con Historias de Filadelfia o Arsénico por compasión, antes que con este paleontólogo algo patoso y bastante simplón de La fiera de mi niña. No es el caso de Katharine Hepburn, quien sin apenas experiencia cómica, o tal vez por ello, conforma un personaje distinto, mezcla de disparate y saber estar, que resulta ser un fresco contrapunto del remilgamiento del Dr. Huxley (Cary Grant). Se ha dicho, y resulta creíble, que Grant se inspiró en Harold Lloyd para interpretar su papel. Quizás por ello se dejó algo de si mismo en el camino.

Estamos ante lo que se ha venido a llamar una screwball, algo así como una comedia loca donde se derrochan absurdos, casualidades imposibles y situaciones increíbles a manos llenas ante las que debemos quitarnos la careta de la racionalidad si lo que pretendemos es dejarnos arrastrar por la locura colectiva de una comedia sin ese chispazo inteligente tipo Lubitsch pero con la grandísima virtud de convencernos durante hora y media de que lo absurdo y la realidad son una misma cosa.

No digo que sea perfecta porque hasta la desmesura debe dosificarse so pena de que el espectador cambie de plano astral y llegue a pensar que eso no es el planeta Tierra sino el país de Oz. En las escenas finales con el leopardo como protagonista se aúna la habilidad de colocar a los espectadores en un lugar de privilegio al conocer lo que en realidad está sucediendo, no así los personajes, lo cual aumenta la comicidad, con un desenlace demasiado lento y con momentos que se estiran más de lo conveniente quizás buscando una sonrisa que no acaba de llegar, tal sería el caso de la escena de la prisión.

Si no buscan obras maestras pero les apetece desinhibirse por un rato y colgar la cordura en el perchero quizás esta sea una buena manera.

Puntuación: 8,75

AL SERVICIO DE LAS DAMAS (GREGORY LA CAVA - 1936)

2011-09-30T19:10:00.000+02:00

Era una de esas noches en las que te apetece ver una comedia de las de siempre. De esas típicamente americanas en las que toda se enreda hasta el paroxismo para acabar en el inevitable final feliz. Y ¡hala! a dormir y a soñar con los angelitos, el Empire State y los puentes de Brooklin o Madison, que en sueños es difícil distinguir…

La elección de Al servicio de las damas parecía acertada. Carole Lombard, William Powell y Eugene Pallete aseguraban la calidad apriorística necesaria y con Gregory La Cava, uno de los amos de esto, la cosa pintaba bien. La información previa imprescindible para saber donde me estaba metiendo me hablaba de nominaciones y “awards” varios. Caramelos en lugar de palomitas, agua en vez de cocacola, la luz debidamente tenue y “La función va a empezar….lalala lalá…”

Al poco, una imagen surrealista total. Los vagabundos entre toneladas de basura y las desocupadas millonetis buscando un pobre que llevarse a la gymkama. ¡Y ni un encogimiento de nariz! Elegido el menesteroso y tras las presentaciones de rigor y algún que otro revolcón sobre los detritos, el ilustre mendigo – y digo ilustre porque se lo notan los estudios, superiores al menos a los de las juguetonas niñas de papá – sin afeitar y con olor no a limones caribeños precisamente, es presentado en una reunión de la sociedad alegre y confiada de la noche neoyorkina, zoológico representativo de una clase desocupada dedicada a la caritativa obra de nombrar mayordomos al primero que se recoge del arroyo, sin casting ni ná… Pero ¡Bingo! El amigo Godfrey (William Powell) es el asistente perfecto y los dos únicos dedos de frente en una familia de la que únicamente se salva el padre (Eugene Pallette)al que acabamos admirando por una paciencia capaz de dejar a Job a la altura del betún. Pero claro, hay cosas que no pueden ser y además son imposibles y hasta el santo patriarca acaba perdiendo los nervios.

Aunque la crítica de La Cava a una jet ociosa, vista desde el siglo XXI, no sea de una mordacidad extrema – tengan en cuenta que estamos en una comedia- supone un punto a favor del film, especialmente si se añaden algunas perlas punzantes en el guión. Sin embargo, la llantera contínua, de niña mimada y consentida, de Carole Lombard, junto con los simiescos saltos del protegido de la madre, gorrón de turno y filósofo en horas de ayuno, que cuando hay algo que llevarse a la boca se acabaron las filosofías, junto a otras lindezas por el estilo, me llevan a considerar si los espectadores de la época reían por no llorar por lo mal que estaban las cosas o si con la entrada se les daba una infusión del gas de la risa, que sinó no se acaba de entender.

Se ha dicho de ella que es uno de los mejores ejemplos de comedia screwball en la línea La fiera de mi niña. Aquí tienen un ejemplo de odiosas comparaciones. Al servicio de las damas es una buena comedia, ácida e inteligente, pero que se deteriora un tanto con las exageración de las banalidades de la ociosa jet norteamericana de los 30 y a la que el inexorable tiempo no le ha sentado demasiado bien. En los 30 el acoso y derribo a las clases nobles y adineradas hecho con este agudo sentido del humor pudo tener su impacto. Si me situase en aquellos años probablemente subiría mi valoración. Pero el 2011, vistas las cosas que hemos visto, ¡eh sir John! me hace ser un poco más exigente.

Reconociendo sus méritos...

Puntuación 7,00

(Un apunte final: Resulta curioso que en el trailer se omitan tanto la pertinaz llantera de Carole Lombard como el baile del gorila del amiguito de la mamá. ¿Dudaron de su efectividad para atraer a espectadores medianamente inteligentes?

DESAYUNO CON DIAMANTES (BLAKE EDWARDS - 1961)

2011-09-21T11:17:00.006+02:00

Las películas gustan o no gustan. Esto, que parece una absoluta memez por mi parte, viene a cuento especialmente en el caso de Desayuno con diamantes (prefiero llamarla y así lo haré en lo sucesivo Breakfast at Tiffanys pues diamantes hay muchos y Tiffanys no).

Por lo general, suelo acabar de visionar los films y busco en la Red los comentarios de quienes me precedieron en la valoración de las películas lo cual puede conllevar consenso pero resta espontaneidad y podría incluso condicionar la propia opinión. En este caso no lo he hecho así. Me complace dejar plasmada en estas pocas líneas la impresión original, algo así como el vino del primer prensado.

¿Porqué me gusta Breakfast in Tiffanys? Me gusta porque no pasa nada, pero pasa todo. Si ustedes analizan cada momento del film desde las irritaciones del casero hasta la libertad de un gato sin nombre, pasando por guateques, Sing Sing, millonarios brasileños, solteros con presumible fortuna, escritores mantenidos y decoradoras que mantienen, pueblerinos maridos y empleados de joyería, se darán cuenta que no existe una conexión aparente entre todos y que los distintos momentos se solapan unos con otros conformando un aleluya que solo tiene sentido si nosotros mismos se lo damos. Y el único sentido que yo encuentro en todo ello es el sentido de la libertad.

Holly (Audrey Hepburn) vive en una cárcel. Cárcel sin barrotes y con las puertas abiertas de par en par. La cárcel de la independencia. La peor de las prisiones posibles porque no se reconoce como tal. Tyffanys está muy bien. Desayunar en Tyffanys también. Pero a veces no hay que quedarse “colgao” en las alturas y descender al mundo real y desayunar un tazón de cereales, con la persona a la que se ama o sólo si así se tercia o prefiere. La vida es demasiado corta para entretenerse en especulaciones. Los barrotes que forjamos para resguardar nuestra libertad dejan escapar la misma a través de ellos. Holly se da cuenta en ese instante final bajo la lluvia con un gato entre los brazos al que bien podrían llamar Rain desde aquel momento.

Audrey Hepburn está maravillosa, siempre con esa imagen de nuera que todas las madres querrían para sus hijos. Para George Peppard , más allá de famas televisivas, es el papel de su carrera. Mickey Rooney cómicamente orientalizado y Martin Balsam siempre profesional. Buen trabajo de Buddy Ebsen a quien algunos recordamos de una serie de los 60 llamada Los nuevos ricos. Punto y aparte para Mancini y su música representativa del cine, de una época y del sueño neoyorkino. ¿Qué decir de Blake Edwards? Una garantía. Y Capote entre las bambalinas literarias. ¿Que más se puede pedir?

Podría haber documentado estas líneas muchísimo más. Es fácil, hay muchas referencias tanto bibliográficas como en la web, pero he preferido filtrarles la película a través del cedazo de mis sensaciones. Tal vez ustedes prefieran no leerme para no condicionarse. Harán bien.

Puntuación: 9,00

RISATE DI GIOIA (MARIO MONICELLI - 1960)

2011-09-18T10:31:00.001+02:00

Con una cierta regularidad vengo dando un repaso a la filmografía de Mario Monicelli. Hoy le tocó el turno a “Risate di gioia” algo así como Risas de alegría, traducida en España como Llegan los bribones, título no muy afortunado que sugiere más aquellas películas insustanciales de Burt Reynolds o similares que esta película italiana de 1960 de Anna Magnani después de su periplo norteamericano donde recibió el Oscar a la mejor actriz por “La rosa tatuada”.

La Magnani está magna como siempre. Permítanme el juego fácil de palabras. Y abusando de su benevolencia añadiré que la magnitud de la italiana es inconmensurable. Su dueto con Toto es absolutamente inolvidable en la línea de otras muchas colaboraciones anteriores. Su número musical conjunto una pequeña joya que nos deja con ganas de repetir.

Las desventuras de una extra habitual de Cineccitá en la Noche de Fin de Año es el argumento de este film del director italiano donde, junto a su inigualable sentido de lo cómico, nos muestra su vena más sentimental y humana. La extrovertida Tortorella (Anna Magnani) esconde en su interior una mujer sensible y falta de cariño. El pícaro Umberto (Totó), dispuesto a casi todo por una lira, es en el fondo un pobre diablo honrado a carta cabal. Y hasta el único y verdadero bribón de la película, Lello (Ben Gazzara), no tiene un futuro demasiado halagüeño en la profesión cuando debe acabar robando collares de la Madonna en las Iglesias.

Risas regadas con chianti. Ese chianti que le sienta tan bien a las comedias italianas y que Monicelli sabe escanciar como nadie, aparcando por un instante las carcajadas o mejor dicho, trasmutándolas en cómplices sonrisas que acompañan esas porcas miserias tan genuinamente italianas. Comedia con fundamento y su puntito de reflexión. Realismo de una Italia de transiciones en tono de ja.

Se ha dicho que Monicelli viene a ser algo así como una mezcla entre Billy Wilder y Martin Scorsese. Aunque es cierto que Riseta di Gioia evoca el recuerdo de ¡Jo que noche!, tal afirmación me parece desorbitada. Monicelli es Monicelli y eso significa mucho.

Por cierto, no se pierdan la buena actuación de Fred Clark como americano borracho. Clark es uno de esos secundarios con frecuentes apariciones en series televisivas, a los que no ubicamos demasiado bien pero recordamos con agrado.

Puntuación: 7,75

AGRADECIDO

2011-09-15T18:13:00.001+02:00

Bueno, me ha cogido tan de sorpresa que no tengo preparado ningún discurso...

(Ahora, sacando unos cuantos folios del bolsillo continúo...)

Sin bromas, gracias por el premio y especialmente por la amistad. Los blogueros no somos unos especímenes raros que unicamente pretenden dejar memoria grata de nosotros mismos sino seres humanos que comparten sentimientos a través de la escritura y es obligado decir que en este camino compartido he encontrado en vosotros a los mejores compañeros posibles.

No suelo tener una frase preferida, sin embargo como parece que es un requisito del premio he elegido una frase mía, aún a riesgo de pecar de inmodesto, que incluí en la crítica que hice en una página web de cine conocidísima de la maravillosa película "AMANECER" de F.W.Murnau:

"La madurez ayuda a comprender y valorar obras como ésta pero al mismo tiempo viendo películas así no se puede por menos que madurar."

Aunque esto también es aplicable a otras muchas películas de antes y de ahora quien conozca o vea "Sunrise" (Amanecer) seguro que me entiende. Además es un frase que sintetiza la gran trascendencia del cine en nuestro desarrollo personal.

A lo largo de mi andadura por estos andurriales cibernéticos me he topado con muchos blogs. Tengo un recuerdo y una relación muy especial con estos:

¡¡¡And the winner is!!!

ROOTING FOR LAUGHTON,

donde Clara fue una de las primeras que visitó y comentó en mi blog y donde aprendí muchísimo sobre el gran actor (y director) que fue Charles Laughton

EL DESPOTRICADOR CINÉFILO,

blog donde he sido invitado a colaborar y lo he hecho con absoluto agrado, tratando de ser siempre fiel a mis convicciones y repartiendo caña cuando es preciso sin dejarme influenciar por el carácter de intocables de algunos films o directores.

EL BLOG DE AMADO

donde encontramos la vida en estado puro. Historia y lugares donde perderse y que se echan de menos desde las rutinas grises de nuestra cotidianeidad. El premio Amado blog sigue estando al frente de mi blog y es todo un orgullo.

LAS COSAS QUE HEMOS VISTO...

y leido... un lugar donde aprender de la mano del amigo Welles y que me trae reminiscencias de aquellas excelentes Campanadas a medianoche.

BORGO

Miguel Zueras nos acerca a la literatura, al cine y a la vida en mi Barcelona natal, envolviéndolo todo en unas portadas que hablan por si mismas.

HABITACION 237

Con clara referencia a El resplandor, el amigo Jack ha sido sin duda un gran estímulo para mi y sus comentarios me alentaron en esta aventura de compartir mis vivencias cinéfilas con ustedes.

BOLDECINE

de la amiga Lala, cinéfila empedernida como ella misma se define es un lugar agradable y muy fresco donde se habla de cine con profesionalidad. Por cierto, la estoy echando de menos.

BILLIE Y EL CINE

A Patri la conocí casi al tiempo que a Lala. Su blog nos acerca al buen cine, de forma amena y documentada. Y como a Lala, también empiezo a ponerle falta. The holidays sin duda...

SAFARI NOCTURNO

David ha sido también compañero de etapas en esta travesía bloguera, su blog es una visita obligada y no exagero si afirmo que los temas que se exponen están excelentemente documentados

Debería premiar por sus muchísimos méritos a EL APARTAMENTO EN PARÍS y a NENÚFARES EFERVESCENTES, pero como ya lo ha hecho Atticus, dejo el premio número 10 para:

PREMIO HONORÍFICO A TÍTULO PÓSTUMO:

LAS PUERTAS DE BABILONIA

Anro: Aunque tú no estés, siempre nos quedará tu blog y tus abrazotes.

Gracias a todos por estar ahí y especialmente a Atticus y a su excelente Adivina quien cocina esta noche por haberse acordado de este blog

Aquí dejo los requisitos para los ganadores:

-Anunciarlo en una entrada de tu blog.
-Premiar a otros 10 blogs amigos y avisarles.
-Poner un enlace al blog que te ha otorgado el premio.
-Compartir tu frase preferida y explicar por qué te gusta.

Felicidades a los amigos premiados.

COMO CASARSE CON UN MILLONARIO (JEAN NEGULESCO - 1953)

2011-09-14T14:42:00.003+02:00

Entretenida aunque intrascendente. Me quedo con lo primero. Una película como esta es un oasis en el desierto de las trascendencias. ¿Qué no es perfecta? No importa salvo que se busquen perfecciones. ¿Qué ha envejecido? Y quién no. Tampoco importa mientras las esculturas y los contoneos de Marilyn Monroe sigan en nuestros televisores. Si lloramos por las carencias las lágrimas nos impedirán ver las estrellas.

Pues de tres estrellas se trata, Marilyn, Lauren y sus ojos, y Betty Grable, féminas con fundamentos pero no demasiado ricas, que queman sus naves alquilando un apartamento de lujo donde esperan codearse con la jet. Claro que, teniendo tan reservado el derecho de admisión a magnates del petróleo o similares, la inversión inmobiliaria arrastra pérdidas más que beneficios por lo que se hace necesario el empeño en los montes de piedad USA de todo lo fungible, comenzando por el piano y terminando por la banqueta de la cocina. ¡Pero esto es cine, señoras y señores! Y llegan los millonetis cargaditos de paquetes, cual magos de Oriente…

El afortunado encuentro de Loco Dempsey (Betty Grable) con un rico ganadero en convención – por lo que vemos habitualmente las convenciones son una especie de deporte nacional norteamericano donde los invitados echan canitas al aire, se toman algún whisky que otro y se supone que debatirán de algo- da el pistoletazo de salida a unas relaciones sociales de las tres modelos con el mundo del petrodólar. Claro que no es oro negro todo lo que reluce. Y algún desengaño que otro se llevan.

Me niego a jugar al tres en raya y poner a una actriz antes o después que otra. Bien las tres. Dejemoslo así. William Powell, nuestro hombre delgado de siempre, bigote y clase habitual. Fred Clark y Cameron Mitchell correctos. Por descontado la música de Alfred Newman, la fotografía de Joseph MacDonald y la dirección de un Jean Negulesco de quien recordamos De amor también se muere, Regresaron tres o Belinda.

No puedo obviar dos detalles que probablemente conocerán. Aunque la primera película estrenada en cinemascope fue The robe, la primera en filmarse fue esta. Los 6 minutos introductorios con toda la orquesta contenida en la pantalla y el propio sonido de de Alfred Newman son una demostración, así de entrada y como quien no quiere la cosa de las posibilidades de esta técnica fílmica y de la espectacularidad de la estereofonía. Escenas como la de los espejos con una Marilyn multiplicada o escenas donde el cuerpo tendido de las actrices ocupa la totalidad de la pantalla, resultaban impactantes y la película tuvo una buena acogida y rentó beneficios.

Lo segundo son los guiños de algunas frases a otras películas o situaciones. Por ejemplo la frase de Lauren Bacall a los hombres que le gustan, mayores como el de La reina de África (su marido Bogart), las alusiones a los diamantes en el caso de Marilyn o el reconocimiento de la voz de un artista radiofónico por Betty Grable (su propio marido).

Si, entretenida. ¡¡Rien ne va plus!!

Puntuación: 7,55

BLOW-UP (MICHELANGELO ANTONIONI - 1966)

2011-09-10T18:56:00.003+02:00

Para evitar equívocos, les anticipo que voy a puntuar esta película con 8,50, aunque estemos en el año 2011 y muchas de las cuestiones que Antonioni nos propone hayan quedado hechas unos zorros con el paso del tiempo. Los megapíxeles, la HD o el 3D han hecho que la película sea poco inteligible para unas nuevas generaciones que pueden perderse entre cuartos oscuros, revelados y ampliaciones y a las que hemos malacostumbrado con un cine, salvo honrosísimas excepciones, masticado y digerido.

Me mantengo firme en mi idea de que al cine no hay que ir con un manual de instrucciones donde se encuentren las claves para entender la película, pero ello no es óbice para que nuestras células grises hagan un poco de ejercicio y reflexionen. Este es el caso. Un partido de tenis-mímica, una bola imaginaria y el acto de devolverla a la pista, son el in crescendo de una música coral que ha estado presente durante toda la película recordando de forma monocorde que no existe una realidad absoluta sino una realidad con la relatividad de haber sido filtrada por seres humanos distintos y heterogéneos. Si buscamos la lógica de lo absoluto y de lo contundente, la película es un sinsentido total. Si nuestra mente está abierta a cualquier cuestión por fantástica que resulte quizás aprehendamos algo de la idea original de Cortazar autor de la novela corta “Las babas del diablo” en que se basa el film, o del propio Antonioni.

Si tuviese que elegir una escena como la clave del film, esa especie de Código da Vinci capaz de poner en orden todo lo que nuestros sentidos han ido captando a lo largo de dos horas de proyección, elegiría sin duda ese instante en el que un pintor abstracto encuentra el sentido a su obra. Los puntos, los trazos o los colores no tienen entidad propia hasta que alguien parece encontrar un rostro o una pierna entre la obra inicialmente informe. ¿Qué es lo real? ¿Nace o se hace? No. No estoy predicando una filosofía del absurdo, y quien vea la película me entenderá.

En el aspecto puramente formal estamos ante un film colorista, bien trabajado fotográficamente, tanto en exteriores como en interiores, buen escaparate para Vanessa Redgrave, Sarah Miles o la misma Jane Birkin , donde destaca la interpretación de David Hemmings y que recoge algunos de los rasgos identificadores de aquellos años 60 especialmente por lo que se refiere a un cierto status social que se mueve entre sexo, drogas y rock and roll, con vestidos con formas geométricas y colores chillones, el mundo de la moda con sus mitos y sus erotomanías. Las blusas de quita y pon, los pantys super deslizantes… Un mundo y una sociedad que el tiempo ha apolillado en exceso, aunque de este pecado nadie anda libre y nuestra hermosa sociedad actual recién salida de la lavandería acabará con la misma polilla con mayor rapidez.

En definitiva, una película abierta, antes y ahora, a la posibilidad de interpretaciones y debates. Film de culto, de cine fórum o de aquella “Clave” de Balbín, pero también de ¡Que grande es el cine! de Garci. Una película que no puede condensarse en el post de un aprendiz de cinéfilo como quien suscribe y que necesita más del tratado que de la octavilla. Una película que, más que dar soluciones, da que pensar…

Puntuación: 8,5

LA MUJER MARCADA (LLOYD BACON - 1937)

2011-09-06T18:23:00.003+02:00

La mujer marcada - no confundir con Una mujer marcada, de Danniel Mann y que le valió el Oscar a la mejor actriz a Elizabeth Taylor – es una excelente película de Lloyd Bacon (La calle 42) con participación en el guión de Robert Rossen (El buscavidas) que, basándose en la historia real de Lucky Luciano y su red de prostitución, narra la historia de un grupo de “señoritas de compañía” o “animadoras”, como prefieran, - prohibido decir prostitutas – empleadas de un local de diversión y juego clandestino al servicio de Johnny Vanning mafioso neoyorkino que al frente de una banda de matones y gangsters se dedica al amiguismo, a la extorsión, el robo, el mangoneo y otras perlas de tal jaez, así como a llenar el rio Hudson con los cadáveres de aquellos que cruzan en su camino.

No podemos negar las excelentes condiciones del cine para formar opinión o manipular a las masas, especialmente en aquellos años en que se cantaba aquello de “la televisión pronto llegará…” En el cine norteamericano se pasó de un cine-reality donde los gánsteres campaban a sus anchas y la Ley mirando al mar, a un cine “abeja Maya” es decir país multicolor donde los polis son honrados e incorruptibles. Probablemente y como casi siempre la verdad, de existir, estará en el término medio. En cualquier caso la Warner B. vendió una imagen de respeto a la justicia y de fuerza femenina muy en la línea de la nueva imagen que en la sociedad estaba adquiriendo la mujer.

Hablando de fuerza, ¿Quién mejor que Bette Davis para interpretar a una animadora con la personalidad suficiente como para no doblegarse ante nadie? Una actriz que se las estaba teniendo tibias con la Warner, “pleitus habemus” por no ofrecerle papeles a su altura. La resolución del conflicto en los tribunales no fue tan favorable a la artista como este papel que supuso uno de sus primeros éxitos incluso premiado con la Copa Volpi en Venecia a la mejor actriz. A su lado un Bogart que por aquellos tiempos solía andar en el otro lado de la calle, en el de los delincuentes, generalmente de medio pelo y que aquí interpreta al fiscal del distrito que puso entre rejas a Vanning en clara repetición de cómo Thomas E. Dewey encerró a Luciano.

Sin ser una película perfecta, Marked Woman tiene dos “tempos” espectaculares. Por una parte, su inicio. Desde los títulos de apertura hasta el primer y fallido juicio. La exposición de motivos del mafioso ante las empleadas de su local es de una rotundidad y claridad pocas veces vista en el cine. Las argucias y habilidades de las chicas a sueldo, con sus clientes, los signos utilizados en la “organización”, el baile, el juego, el champán corriendo, las deudas, el río… nos mantienen atentos. La trampa al fiscal también. Después se entra en una fase melodramática destinada al ablandamiento: La hermana inocente de nuestra heroína cuyos estudios son pagados con el sudor de su cuerpo y a la que hay que mantener en la inopia de lo que ocurre. Por último y mejorando llegamos a la fase final donde los mafiosos tienen encogida la salva parte y se produce el inapelable juicio que concluye, igual que en el caso Luciano, con una condena entre 30 y 50 años, sin condicionalidad ninguna “si les ocurre cualquier cosa a las cinco testigos”. De esta forma culmina una película que como el libro gordo de Petete enseña y entretiene y donde la presencia de dos grandes actores Bette Davis y Humphrey Bogart que también actuaron juntos en El bosque petrificado y alguna otra, es un atractivo adicional para quienes amamos el buen cine.

Antes de puntuar, les cuento un detalle que también ha condicionado mi valoración: Para representar las escenas del hospital con la cabeza vendada después de la brutal paliza recibida, Bette Davis no se conformó con los mínimos vendajes que la favorecían sino que acudió a un doctor para que la vendase conforme a las heridas virtualmente recibidas. A su vuelta a los estudios apenas fue reconocida… Su imagen en pantalla resultó sobrecogedora y lamentable.

Puntuación: 8,00

ADIEU POULET (PIERRE GRANIER-DEFERRE - 1975)

2011-09-02T17:58:00.003+02:00

Adieu Poulet es algo así como un Arma Letal a la francesa. Así escrito, la cosa nos parece clara y meridiana, salvo que nos cuestionemos lo de “a la francesa”, porque entre los Estados Unidos de Norteamérica y Francia existen, además de La Marsellesa, la bandera o la tortilla, otras diferencias. El chauvinismo no es identificable con el orgullo de los yanquis del mismo modo que los valores de una Europa agrietada por siglos de historia no pueden colocarse como si de deuda pública se tratase en los mercados de una, relativamente, nueva América.

Pero sí, la cosa va de policías complementarios. El ortodoxo (Lino Ventura) y el modernista (Patrick Dewaere) o lo que es lo mismo, el íntegro y el predispuesto a aceptar regalos o el reflexivo y el alocado, que todas las calificaciones se ajustan a sus distintos caracteres. Sin embargo, la fuerza – permitánme redundar – de Fuerza Letal está en eso precisamente, en la química complementaria pero integral entre los dos polis interpretados por Dany Gloover y Mel Gibson, mientras que en Adieu Poulet el interés se centra en una historia de corrupción y violencia política donde los comicios, las campañas y precampañas electorales son un campo de batalla teñido literalmente de sangre. Los actores se lucen en tanto sus personajes se erigen en parte fundamental de los acontecimientos y su mérito está en hacerlos creíbles. No son dos actores-escaparate a lo Borsalino sino dos peones de una gran historia que bordan su trabajo.

Grande Leferre, de quien tengo pendiente de comentarles Le Chat, me parece un excepcional director. Es cierto que la historia es buena pero también lo es que el cine político junto a grandes títulos tiene grandes empachos. Las corruptelas, sean trajes, concesiones y otras prebendas así como aquello de favor por favor están tan a la orden del día en las televisiones que reencontrarlo en el cine produce cierto hastío, pero Leferre le sacó partido gracias a un guión ágil y sin demasiados giros enrevesados, donde las concesiones a la espectacularidad son pocas y donde las muestras de ingenio especialmente en los diálogos son muchas.

La trama podría resumirse en la muerte de un policía y un civil a manos de los gorilas de un candidato político. La no asunción de responsabilidades. El apoyo de las altas esferas inclusive los mandos policiales. La integridad del comisario en el cumplimiento de su deber incluso contra sus superiores. Las artimañas legales para retirarlo sin publicidad del caso. Todo ello nos suena. Pero Leferre le da una vuelta de tuerca final a la historia de forma que cuando el policía es reclamado por todas las partes de un conflicto que se ha disparado éste tomando el altavoz dice…

Mejor lo averiguan que no me gusta destripar.

Y “Adieu Poulet” que en castizo sería algo así como Y tararí que te vi…

Puntuación: 7,45

THE CROOKED WAY (ROBERT FLOREY - 1949)

2011-08-28T17:31:00.003+02:00

Para encuadrar un film dentro del término universalmente aceptado de cine negro resulta no imprescindible pero sí muy necesario cumplimentar un cuadrante respondiendo sí o no a preguntas relacionadas con oscuridades y sombras, detectives sin un penique, desajustes personales, gangsters, garitos y vamps, y tipos que, sin comerlo ni beberlo se meten o son metidos en problemas. Según el resultado del test y sumadas ciertas técnicas fotográficas heredadas del expresionismo alemán, podremos decir con alguna probabilidad de acertar si estamos ante un noir original o un sucedáneo.

The Crooked Way superó el test y me arriesgo a catalogarlo como noir del bueno. Ello a pesar de un John Payne que, no sé si por tener un nombre que sugiere una errata tipográfica o por una cierta cara de no enterarse de nada, no acabó de convencerme en los trabajos previos que había visionado de él, algunos dirigidos por Allan Dwan. Es cierto que a un excombatiente que ha perdido la memoria como consecuencia de una herida en el cerebro se le supone cierto desconcierto y Payne da la imagen. Dejando atrás ironías, su trabajo es excelente, cuando menos al nivel de sus compañeros de reparto, Ellen Drew, Rhys Williams o Percy Helton. La sobreactuación de Sonny Tufts en la escena final deja, no obstante, apuntes de gran calidad interpretativa.

La historia puede resumirse en la búsqueda de la identidad de un excombatiente de la II WW que a tal fin se desplaza a Los Ángeles, lugar desde donde se alistó en el ejército, y donde, en el mismo momento de su llegada, es detenido y llevado a dependencias policiales. A partir de ahí, una serie de coincidencias le llevarán a formarse una idea de sus presuntos antecedentes delictivos y deberá enfrentarse a quienes ven en su regreso una oportunidad para la venganza.

La película tuvo sus críticas y debió ser retocada por problemas de excesiva violencia. Hoy nos parece bastante nimio pero la escena en que Eddie Rice es golpeado y posteriormente empujado hacia abajo por la escalera de incendio debió ser eliminada para pasar la censura. De cualquier modo sería interesante un debate sobre la violencia explícita perseguida y la implícita consentida. En este mismo film, el interrogatorio al delator Kelly y su tan previsible como oculto final son ejemplos de violencia en alto grado sin que apenas exista daño en la retina de los espectadores ni en el pacatismo de algunos sectores de la sociedad americana.

Destacar también la fotografía de John Alton. En un film noir, los blancos y los negros así como los enfoques precisos contribuyen a crear su ambiente característico, urbano y opresor. En este caso el desconcierto por la amnesia tampoco era fácil de filmar. Alton lo supera todo y con una nota elevada.

En muchos artículos anteriores me he repetido hasta la saciedad afirmando que entre las películas de serie B hay mucha calidad. Este es uno de los casos.

Puntuación: 7,25

EL LOBO DE LA SILA (DUILIO COLETTI - 1949)

2011-08-24T21:51:00.001+02:00

Para quienes, como yo, aún estamos en una primera fase de iniciación cinéfila y todavía nos movemos a base de estereotipos y verdades a medias, encontrarnos a Mario Monicelli, junto con Steno, en los orígenes de este Lupo della Sila resulta desconcertante. Monicelli es uno de los directores que más y mejor me ha hecho reir con su “Amici Mei” por lo que su implicación en un drama pasionalmente italiano como éste resulta desconcertante. Bien mirado, este desconcierto evidencia dos cosas, mis carencias y la genialidad del director italiano.

Y es que Il lupo della Sila es un dramón en toda regla. No un melodrama que eso implica un cierto civismo, ni un drama rural de la Hispania inmovilista. Es un dramón con aumentativo y todo. De los de honor y “vendetta”. Hijo legítimo de esa Italia de grandes historias, de Sofías y Magnanis, de Corleones y Sicilias.

Dirigida por Duilio Coletti, de quien apenas recordamos La Batalla de Anzio, la película narra la venganza de Rosaria (Silvana Mangano) por la muerte de su hermano Pietro (Vittorio Gassman) a disparos de la policía tras negarse a declarar el nombre de la muchacha con la que se encontraba al tiempo en que se cometía un asesinato del que es injustamente acusado. La tiranía y el despotismo de Rocco (Amedeo Nazzari) que antepone el honor de la familia a la vida de un hombre es el leiv motiv de una historia llena de fuerza de esas que solo pueden darse en la Italia más tradicional y profunda. En ese sentido el marco de Calabria es perfecto y la fotografía de Aldo Tonti – retengan en la retina la última imagen- un pasaporte visual a un pasado quizás no tan lejano. Por su parte la participación de Monicelli al guión dota al film de una consistencia magistral.

La actuación de Nazzari es magnífica. Silvana Mangano luce absolutamente bella y aunque la historia imprime seriedad y carácter, sus poderes de seducción son evidentes y aunque no en la línea Arroz Amargo, el espectador los agradece. Un papelazo el de Luisa Rossi como Orsola, hermana de Rocco, solterona tras la muerte de su “fianzato”.

Era una Italia que sobrevivía a las guerras de la Independencia y a un proceso de unificación auspiciado por Garibaldi, pero que al tiempo que miraba al futuro seguía con un medio rural tan oscuro como inútil en muchos aspectos y que se regía por los usos y costumbres de una sociedad latifundista y señorial con códigos pre revolucionarios. En este sentido el recuerdo de películas como El Gatopardo es más que notorio.

En resumen una película que encaja perfectamente en nuestra concepción del medio rural italiano - cito también aquí Padre Padrone – que no debe asustarnos por su condición de dramón de rompe y rasga y “por la Madonna”, máxime cuando nuestras entrañas cinéfilas beben de los mismos vientos. Los que soplan en Las Hurdes por Los Santos Inocentes, con sus Bernarda Alba de García Lorca o las cebollas que son escarcha de Miguel Hernández.

Debe verse.

Puntuación: 7,50

LEON MORIN, SACERDOTE (JEAN PIERRE MELVILLE - 1961)

2011-08-21T14:27:00.002+02:00

Reconozco que me acerqué a esta película atraído por el nombre de su director, Jean Pierre Melville, uno de los reyes del polar francés. A posteriori puedo decirles que de “noir” lo único que tiene es la sotana del párroco Leon Morin (Jean Paul Belmondo). Sin embargo, el hecho de que la película no fuese un ejemplar de cine negro galo no ha restado un ápice de interés a un profundo trabajo de Melville basado en la novela de Beatrice Beck (Premio Goncourt de 1952 ) que obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia de 1961.

Abstenerse quienes busquen cine fácilmente digerible. Una película de curas, aún con Belmondo, es sinónimo de “di profundis” cuando menos y en este caso las profundidades van por partida doble. Por una parte en el film se cuestiona la religión y la existencia de Dios y por otra nos muestra de forma tan sutil como evidente una inconsumada relación entre el joven párroco y la joven viuda, atea y comunista interpretada por Emmanuelle Riva, como fruto prohibido de la evangelización emprendida.

Dos grandes interpretaciones. Un Belmondo que venía de A bout de souffle y una Emmanuelle Riva famosa por Hiroshima mon amour de Resnais, componen una pareja con una química excepcional, y que, tanto monta monta tanto, llevan ambos al unísono el peso de la interpretación. Muy buena fotografía de Henry Decaë con imágenes de aplastante realidad donde todo parece haberse inmovilizado y solo el paso del protagonista simboliza la vida, el drama y el dolor. Dirección inteligente de un Melville que en muchos de sus trabajos ha ambientado la Francia de la ocupación y la resistencia.

Película conflictiva que en su exhibición en los EEUU fue recortada en veinte minutos y que como supondrán no llegó a estrenarse en España. Comunismo, ateísmo, lesbianismo, represión y una prohibida atracción, junto con el trasfondo bélico y fascista, eran demasiados atentados a la moral aquende los Pirineos, recientes las conspiraciones comunistas y judeo-masónicas.

Una prueba, otra más del buen hacer de Melville y de un Belmondo que demuestra su gran categoría en un papel difícil.

Quiero recomendarles esta película, ahora, eso sí, deben saber que estarán obligados, desde el principio, a la reflexión. Nadie dice que esto vaya a ser fácil…

Puntuación: 8,00

SO DARK THE NIGHT (JOSEPH H. LEWIS - 1946)

2011-08-18T19:23:00.000+02:00

Joseph L. Lewis se hizo un nombre, cinematográficamente hablando, con My Name is Julia Ross, una película al más puro estilo Hitchcock con remembranzas de Rebeca, donde las limitaciones presupuestarias se suplían con la imaginación al poder de su director, de forma y manera que sin moverse de la soleada California conseguía trasladar al espectador a las brumas marineras de Cornualles. Repitió con éxito en So Dark the Night recreando un tranquilo pueblecito francés entre los estudios de Columbia y localizaciones americanas meticulosamente elegidas. El trabajo previo fue tan ingente que el propio Lewis afirmaba que sabía más de villas rurales francesas que un natural de ellas. A su Equipo de Localización de Exteriores no le exigía que buscasen paisajes sino que les mostraba el paisaje francés fotografiado que debían localizar. Esta es una de las circunstancias de la película y en general del cine de su autor que más reconocimiento ha tenido por parte de los críticos.

Otros aspectos igualmente bien valorados tienen que ver con un técnica fotográfica que Lewis fusiona de forma inteligente y perfecta con el argumento. Un grifo goteando o una tetera humeante tienen su voz propia en la historia y son el anticipo perfecto de lo que después retratará la cámara y suponen un guiño de complicidad a los espectadores. Y todo ello con rodajes breves como corresponde a presupuestos exiguos que suponían un reto, no exento de atractivo, para el director.

La historia nos habla de un renombrado y eficiente policía francés, bien definido desde las primeras escenas, que después de 11 años sin vacaciones precisa de un descanso más mental que físico. Un pueblo de la campiña francesa es el lugar idóneo y, a su llegada, la posadera, con la conformidad de su joven hija, trata de que esta y el cuarentón policía entablen relaciones formales. La oposición de León el novio de toda la vida complicará sobremanera las cosas. Omitiré el grueso del meollo así como el desenlace, aunque como habrán supuesto tratándose de un policía tiene que haber un caso y naturalmente lo hay.

Es aquí donde empiezo a discrepar de algunas de las valoraciones hechas del film. El resultado de las indagaciones nunca es incierto, ni presuntamente. Aunque los personajes parezcan poner cara de extrañeza, el espectador con alguna neurona medianamente resistente sabe que no hay más cera que la que arde y que desde aproximadamente la mitad de la película en adelante el pescado está totalmente vendido. Tan solo queda aguardar a que, como en los Oscars, se pronuncie el nombre del autor del desaguisado. No hay murmullos de sorpresa. Tan solo un ¡oh! Alargado por sus desquiciadas razones, algo similar al vestido de sugerente escote que produce más asombro que la titularidad del premio.

Aunque entre anónimos y pruebas más o menos consistentes se intenta jugar al despiste, el desenlace resulta previsible y eso resta en vez de sumar. No obstante se trata de un film interesante de un realizador muy capacitado y que suplía con inteligencia las limitaciones de la serie B.

Puntuación: 6,30

IT (CLARENCE G. BADGER - 1927)

2011-08-14T10:12:00.003+02:00

Quizás IT no sea una de esas catalogadas películas que hay que ver antes de pasar a una supuesta mejor vida, pero es un film de obligado visionado para los cinéfilos no tanto por sus cualidades intrínsecas sino porque supuso el paso definitivo hacia el estrellato de Clara Bow, una humilde muchachita de Brooklyn a la que un día se le ocurrió mandar una foto a un concurso de belleza. Curiosamente y ganando el concurso, sus escenas en la primera película (Beyond the rainbow) donde aparecía fueron suprimidas y solo se incorporaron años después, una vez alcanzada la fama.

La película se basa en el libro de Elinor Glyn del mismo nombre. B.P. Shulberg antiguo presidente de la compañía de bajo presupuesto Preferred Pictures incorporado recientemente a la Paramount con los derechos de Clara Bow debajo del brazo se interesó por el libro y decidió que Clara Bow tenía “it”. En la película encontrarán definiciones más o menos claras de lo que significa el término, pero viene a ser algo así como “tener aquello” o lo que más tarde se denominaría “sex appeal”. Shulberg inició una campaña con la propia Elinor Glyn declarando públicamente a Clara Bow como la “chica it”. 50.000 dólares y un papel en la película recompensaron a la escritora.

La película es una entretenida comedia donde una sencilla dependienta de unos grandes almacenes se enamora a primera vista de su jefe y propietario de los mismos, utilizando para aproximarse a él a su mejor amigo quien, curiosamente después de leer el artículo de Elinor Glyn en la revista, está buscando entre las empleadas del establecimiento alguna chica con ese encanto del que hablaba el artículo. Picardías, algún malentendido que otro y escenas un tanto desenfadadas y “avanzadas” para la época pusieron a Clara Bow en un estrellato donde se mantuvo por no demasiado tiempo, siempre explotada por las productoras que se aprovechaban de su fama de mujer demasiado ligera.

Famoso fue el juicio que se entabló contra su secretaria, Daisy DeBoe, quien por cierto, había conseguido sanearla financieramente, cosa que los Estudios no le perdonaron, y donde salieron bastantes trapos sucios de su vida íntima. Se le achacaron romances con John Wayne, Gary Cooper, John Gilbert y hasta con todo un equipo de fútbol americano.

Acabó su vida con problemas mentales y en la lápida de su tumba puede leerse: Clara Bow,” the It girl ”

Suya es la cita: "Cuanto más sé de los hombres, más quiero a mi perro"

Puntuación: 7,15

BORSALINO (JACQUES DERAY - 1969)

2011-08-08T21:09:00.003+02:00

Borsalino es una película oportunista. Dos actores en el momento más dulce de su carrera profesional, Delon y Belmondo, al servicio de las taquillas. Un duelo interpretativo incruento entre dos stars que se pelearon, sin perder las formas -hay que reconocerlo- por el orden respectivo de prelación en los créditos del film donde Alain Delon tomó la delantera en su calidad de productor sin respetar el orden alfabético previamente acordado. El conflicto acabó en los tribunales y ganado por Belmondo.

Se dice que en el pecado va la penitencia. Estamos ante un film para el lucimiento de dos actores que en verdad se lucen pero a costa de una película endeble cuyo argumento podría sintetizarse como si de un manual formativo se tratase: “Como hacerse los reyes del mambo marsellés. Teoría y práctica”, idea no muy alejada de la realidad dado que la película está basada en el libro de Eugène Saccomano “Bandits a Marseille” que narra el ascenso, el triunfo y la caída de dos jóvenes gángsters: Spirito y Carbone.

El nucleo central del argumento se pega tanto a la piel de nuestros stars que el resto de las historias, en la medida que puedan restar cuotas de pantalla a los divos, se nos hurta descaradamente, y solo sirven para ejemplarizar de manera práctica el ascenso de dos simples pajarillos de cuenta a halcones mayores de la corrupción y el mangoneo. Desde lo crematístico la opción Belmondo versus Delon (en orden contratado) era rentable y así se demostró. Tupido velo para opciones puramente artísticas o cinematográficas.

En la medida que lo “accesorio” al tema central apenas se esboza lo imprescindible para darle consistencia al film, este se nos hace largo en muchos momentos e incluso lo hubiéramos dado por finalizado con mucha anterioridad, tal parecía que ya no quedaba nadie sin agujerear. Pero no, los candidatos a cadáveres surgen hasta de debajo de las piedras inclusive y cuando parece que el pescado está todo vendido surge una ráfaga de no se sabe donde que desmarca a Belmondo de la secuela Borsalino and Co. Al parecer el ex boxeador seguía teniendo la cabeza en su lugar y no estaba demasiado tocado y supo entender aquello que cantaban Los Módulos de que “Todo tiene su fin”

Algunas escenas resultan de un patético supino. Las peleas a puñetazos, especialmente la primera entre los dos protagonistas es absolutamente infumable. ¿Se trataba de hacer una película cómica? Mi impresión es que trataban de hacer algo medianamente serio y dignamente cómico pero les salió medianamente churro. Eso sí, la música resulta reconocible y emblemática y los decorados, atrezzo etc. captan muy bien los años 30 y la Marsella en que se desenvuelve la acción, pero cualquier película de Cagney, Robinson, Muni o Bogart le da cien vueltas en cuanto a verismo. Incluso la seriedad rozando el hieratismo de Alain Delon resulta poco creíble dando, en ocasiones, la impresión de contener la risa.

He leído algún comentario referido a que el maestro del polar francés Jean Pierre Melville, bebió de la fuente Jacques Deray para sus películas (por ejemplo Circulo Rojo). No sé si bebió mucho o poco, pero tengo claro que a Borsalino le tuvo que añadir mucha sustancia personalísima porque sus trabajos están a años luz de lo visto hoy. Los silencios helados del cine de Melville tienen denominación de origen propia y cualquier comparación con el mutismo reprimido Deray es odiosa. No tendré problemas en rectificar si encuentro otros trabajos de mayor relieve, pero hoy por hoy y visto lo visto, rien de rien. Borsalino fue, además del sombrero típico gangsteril con proyección de futuro hasta nuestros días, un gancho cinematográfico para un público que sorbía los vientos por esta pareja mítica. Hoy que los vientos ya no se sabe ni de donde vienen la película se queda en mera curiosidad con muchísimas penas y alguna que otra gloria.

Puntuación: 5 (salvada por la campana de los complementos)

EL INVISIBLE HARVEY (HENRY KOSTER - 1950)

2011-08-02T19:14:00.005+02:00

Hay películas que ponen a prueba nuestra condición de seres humanos. Son como una ITV de nuestras carrocerías para examinar su grado de desgaste. El invisible Harvey es una de ellas La historia de Elwood P. Dowd (James Stewart) cuyo mejor amigo es un conejo blanco de dos metros y por más señas, invisible, es un test que mide el grado de deterioro de nuestra capacidad de tener sueños y vivir maravillosas fantasías. Si al terminar el film nos queda la sensación de niñería o patochada probablemente estamos prontos al desguace mientras que si nos deja una sonrisa en los labios existe la esperanza de que tengamos reparación posible.

Como muchas de las grandes obras cinematográficas Harley tiene su origen en una exitosa comedia de Broadway interpretada por Frank Fay ex marido de Barbara Stanwyck quien consiguió revitalizar su carrera con aquel trabajo que estuvo cinco años en cartel y que fue reconocido con el Premio Pulitzer. Su papel en el cine, aunque también se pensó en Bing Crosby, acabó siendo para James Stewart, sustituto vacacional de Fay, y ello, en mi opinión, es el gran éxito de Harvey. Su trabajo se nominó al Oscar y tan solo la genial actuación de José Ferrer en Cirano de Bergerac se lo arrebató, compensándose en cierto modo con el Oscar a la mejor actriz de reparto otorgado a Josephine Hull quien ya había actuado en la comedia teatral y que debe reconocerse que luce una actuación magistral como hermana de Elwood.

Es este el papel preferido por Stewart, quien, cuando lo hemos visto de duro ha tenido el corazón blando como una esponja y cuando iba de blandengue siempre tenía la contundencia de las verdades absolutas. Aquí, bajo una capa de esas confiadas alegrías que da el alcohol, esconde las verdades del barquero más rotundas. “Si no eres listo, sé amable”, principio que aplica con precisión a su propia vida, haciendo y conservando amigos que dan sentido a su existencia y que no se cortan un pelo en invitar a copas al gigantesco y aparentemente invisible conejo.

Koster no se define sobre la realidad o no del conejo sino que pone al espectador ante sus propias estructuras y deja que seamos nosotros quien decidamos. Y nuestra decisión es, en el fondo una definición de lo que es, o dicen que es, la locura y quienes dicen que están locos y quienes realmente lo están. Meditaciones como ésta son las que establecen nuestra proximidad al desguace o no.

James Stewart es, sin ningún género de dudas, uno de los mejores actores de este mundo cinematográfico que nos apasiona. Sin él, y la gran interpretación de Josephine Hull la película hubiera sido muy distinta. Con una serie de momentos ingeniosos de excelente comicidad, como la confusión en el internado respecto a la identidad del enfermo, la escena del cuadro familiar y algunos otros, la película tiene todos los ingredientes para hacernos retroceder unos cuantos años hasta aquellos tiempos donde todo era posible y ¿porquoi non? Hasta los conejos invisibles podían existir. ¡Vamos! Una especie de aceite lubricante 3 en 1 o similar…

Puntuación: 8,80

EL INFIERNO DEL ODIO (AKIRA KUROSAWA - 1963)

2011-07-29T12:14:00.002+02:00

En primer lugar, mi agradecimiento al amigo Orson Welles de la página “Las cosas que hemos visto” por su magnífico comentario de esta película y por su recomendación expresa.

Ciertamente, esta es una de las mejores películas que he visto en mucho tiempo, y he visto unas cuantas, como saben. Es cierto que Kurosawa siempre me dio mucho y por ello tiendo a esperar mucho, quizás demasiado, pero en esta ocasión reconozco que ha superado mis expectativas. Cine magistral de principio a fin, desde el nudo al desenlace, y en medio un planteamiento claro y diáfano para el espectador, en el que no se regatean esfuerzos para que seamos un participante más en la historia y que estemos apostados vigilantes en una esquina o inmersos en plena persecución.

Perdida nuestra identidad y sin saber cuál es nuestro lado de la pantalla, nos encontramos frente al mismo dilema que el protagonista Mr. Gondo, indecisos entre abocarnos a la ruina o salvar la vida de un niño. Nuestra cruz es la misma que la del industrial y en cuanto a la decisión, aunque seguro que cada cual tiene la suya y no se exige ninguna comunión de ideas, la realidad es que nos pone a todos a prueba y nos sorprendemos a nosotros mismos indecisos en un sentido u otro, o incluso en los dos.

Este inicio del film, hubiese sido la totalidad de muchas películas, pero Kurosawa va más lejos y nos muestra cómo se pone en marcha y se ejecuta una actuación policial eficiente, y lo hace sin esas complejidades que comúnmente se encierran en las buenas novelas negras y que contribuyen a la negrura del género y las oscuridades del “noir”. No. Un Kurosawa subido al estrado nos deja, desde la humildad de los grandes, una lección inolvidable de cómo hacer buen cine. Cada detalle se explica, cada explicación es una ilustración, cada ilustración una complicidad con nosotros los espectadores. Y todo ello, sin más parafernalias de las imprescindibles ni más alharacas de las necesarias.

Y sin darnos cuenta, llegamos a ese momento último, a esa confesión final, a esa crónica de un pecado anunciado. De una obviedad aplastante durante todo el film. Nadie nos lo ha hurtado. Siempre estuvo ahí y lo supimos en todo momento. Implícito en el título, el odio es el leiv motiv de una historia intemporal que interesa hoy, como ayer y seguro que como mañana.

La sencillez hecha cine: Kurosawa.

Puntuación: 9,5

EL HUEVO DE LA SERPIENTE (INGMAR BERGMAN - 1977)

2011-07-23T12:23:00.001+02:00

Probablemente me haya reencontrado con aquel Bergman que en su día me pareció incomprensible pero al que con los años he ascendido a la categoría de cineasta inteligente. El cascarón del huevo era, ya entonces, muy fino y permitía vislumbrar a un genio del cine, pero mi ceguera, propia de la edad, era todo lo gruesa que se puede ser debajo de capas y capas de inmadurez.

El milagro de recuperar la vista comenzó con Fresas Salvajes y continuaron entreabriéndose los párpados con El séptimo sello. El huevo de la serpiente ha sido un paso más en la misma dirección aunque reconozco que el proceso milagrero se ha ralentizado un poco y ha exigido una meditación más “di profundis” que lo habitual. ¿Demérito de Bergman o incapacidad supina mía? Ahí lo dejo… Nadie dijo que esto fuese a ser fácil, y efectivamente el cine del sueco no lo es. ¡Hale, a currárselo!

Lo primero que nos desconcierta es el título ¿Qué pasa con el singular huevo de la serpiente? Hasta el final del film la cosa no queda clara para los profanos en ciencias naturales. El huevo de la serpiente se rodea de una cutícula transparente que permite ver lo que se está gestando. ¿Y que se estaba gestando en la Alemania del 23? Por ahí van los tiros. Por ahí y por una Alemania derrotada síquicamente y que estaba pidiendo a gritos, pre nazis por supuesto, una reparación a su herida dignidad.

En un entorno de humillación, pobreza, tristeza, hambre, instintos de supervivencia e impunidad para los criminales, se desarrolla una historia preñada de los mismos sentimientos colectivos, pero a nivel individual, donde dos cuñados unidos en la desgracia, son sujetos pasivos de un tiempo donde los principios desaparecieron nadie sabe cómo ha sido y donde solo quedan la amargura y las falsas risas del cabaret. La larva del nazismo incubándose entre odios, experimentos, semitismo y desesperanzas varias.

Bergman retrata un Berlín oscuro, donde el miedo es la nota predominante y la fe se ha volatilizado. Hay muchas escenas impactantes – se exigen no años para entenderlas, pero sí madurez-, les dejo una, el sacerdote perdonando los pecados de Manuela (Liv Ullmann), no en nombre un Dios alejadísimo, sino en nombre de los propios humanos, y a su vez pidiéndole a ella perdón por su propia apatía. Una instantánea genial de un momento histórico en el que la serpiente no podía por menos que tomar forma.

Puntuación: 7,5

SIAMO DONNA (GIANNI FRANCIOLINI, ALFREDO GUARINI, ROBERTO ROSSELLINI, LUCHINO VISCONTI, LUIGI ZAMPA -1953)

2011-07-20T20:05:00.002+02:00

Siamo Donna es una película de sketchs, concretamente 5, donde a diferencia de films similares, la conexión entre ellos está, no tanto en el argumento, sino en que se cuentan en primera persona y por actrices de reconocido talento, anécdotas y vivencias personales (presuntamente). Actrices de la talla de Alida Valli, Ingrid Bergman o Anna Magnani no se encuentran juntas todos los días, por lo que el visionado de esta película es tarea obligada para cualquier cinéfilo con ganas de aprender o de cualquier espectador que quiera comprobar que el buen cine no tiene fecha de caducidad.

No les quiero engañar. Hay sketchs mejores que otros. Pero les aseguro que todos tienen su aquel… El casting para la elección de dos actrices que participen en la propia película es todo un estudio social de la Italia de la posguerra con sus esperanzas y sus “porcas miserias”. Las estrellas del celuloide en un pedestal y las signorinas suspirando unas por el glamour y las pasarelas, y otras por una casita y bambinis.

En un segundo sketch Alida Valli acude a una fiesta de compromiso de una asistenta y en un breve flash recuerda cuales eran sus íntimos sueños de chiquilla y cómo la fama la ha rodeado de vacíos e irrealidad. Se sorprende a si misma con un momento mágico junto al prometido de su amiga y con sentimiento culpable decide abandonar la fiesta.

El, tercero nos presenta a Ingrid Bergman filmada por Rossellini en su propia casa, contando, en un italiano no demasiado perfecto, sus desventuras con el gallo de una vecina. Ver a Mrss Bergman en tono cómico y distendido es un auténtico lujo. Sin embargo no es el mejor capítulo de la película.

El cuarto nos muestra a Isa Miranda, actriz no tan conocida por estos lares como las otras, en una historia melancólica donde cuestiona una profesión que la ha rodeado de premios y recuerdos pero que la ha absorbido al punto de renunciar a la maternidad. El encuentro con un niño herido y sus hermanos depara momentos entrañables.

Y por último, la grande, magna Magnani, actriz que me tiene robadas las entendederas al menos desde Mamma Roma y La rosa tatuada. Sin duda el sketch mejor, lleno de comicidad y magistralmente dirigido por Visconti. Un viaje en taxi y el suplemento por perros no falderos da lugar a una serie de situaciones a cual más cómica. Finaliza con una gran actuación de Anna Magnani interpretando una sonata italiana.

Imprescindible.

Puntuación: 8,00

EL SERPIENTE (HENRI VERNEUIL - 1972)

2011-07-18T19:08:00.003+02:00

El mundo del espionaje y de los agentes secretos resulta a priori especialmente atractivo. Las astucias femeninas de Mata-Hari o los artilugios innovadores de 007 y su corte de súper mujeres esperando la frasecita de rigor : “Mi nombre es Bond… James Bond" han tenido, tienen y tendrán sus seguidores, entre los que me cuento. Pero ello no significa que los Bond, M o Moneypenny tengan cualquier parecido con la realidad, que por no haber no hay ni coincidencias.

Películas como El serpiente o, la mucho mejor, El espía que surgió del frío, ofrecen una visión mucho más cercana a una realidad donde nada es lo que parece, la verdad y la mentira se solapan hasta hacerse indistinguibles y como resultante el espectador tiene todas las cartas para perderse en la trama, debiendo estar con los cinco sentidos agudizados y hasta con el sexto a punto por lo que pudiera pasar. Quizás por ello El serpiente sea un film que, debido a sus dobles agentes y a sus vericuetos algo retorcidos, despierta pocas simpatías. Tampoco ayuda mucho una realización algo irregular de Henri Verneuil, uno de los directores galos (de origen armenio) más americanizados en cuanto a su tipo de cine.

Sin embargo, si conseguimos salir del “laberinto” relativamente indemnes, concluiremos que El serpiente, sin ser un peliculón, tiene elementos más que suficientes para obtener un aprobado alto. Algo de suspense y acción (por ejemplo la escena del lago o la del puente), una fotografía excelente de Claude Renoir, o una maravillosa partitura de Morricone son puntos positivos de un film interesante donde la huida de un coronel soviético (Yul Brynner) a Occidente da inicio a una especie de juego de la verdad y a un magistral duelo interpretativo donde Henry Fonda, mister CIA, es el oponente.

La Cia, la OTAN, el Foreign Office, son elementos de un tablero donde huele a podrido y donde se desarrollaban aquellas batallas de la guerra fría hoy un tanto olvidadas. Batallas donde los topos y los camaleones eran sus protagonistas principales y donde los satélites, radares y aviones de reconocimiento eran algunas de sus principales armas. Verneuil consigue situarnos en aquel tiempo donde el muro de Berlín separaba algo más que dos territorios. Eran dos sociedades con dos formas de entender la vida que vivían en perpetua sospecha. Sin embargo al director francés se le escapa algo el film de las manos lo cual en una película de este género resulta peligroso. Los documentales históricos “trucados” o esa visita turística por el interior del edificio de la CIA resultan folklóricos y prescindibles.

Buena actuación de Phillipe Noiret y Dirk Bogarde, Farley Granger en su línea hierática y Virna Lisi en la suya de mucha mujer y con un par de frases “lapidarias” completan un reparto de excepción algo desaprovechado.

Eso si la banda sonora, de lujo.

Puntuación: 6,60

LA REBELDE (ROBERT Z. LEONARD - 1948)

2011-07-15T12:33:00.002+02:00

En mi periplo por los siete mares cinematográficos hoy le tocó el turno a B.F.´s Daughter (La hija de B.F.) traducido aquí como La Rebelde, película de Robert Z. Leonard, director al que he visionado poco a pesar de tener una extensa filmografía y títulos más que atractivos. Probablemente este no sea su mejor trabajo, pero la presencia de Barbara Stanwyck en el papel protagonista y de Charles Coburn y Van Heflin en roles principales son atractivos más que suficientes para captar nuestro interés.

De entrada debo decir que lo de “La rebelde” me parece un tanto fuerte y totalmente fuera de lugar. El carácter de miss Stanwyck siempre me ha parecido de armas tomar, pero no es esta película precisamente el mejor exponente de su rebeldía. La niña rica no es pobre ni en el sentido lastimero de la palabra, Vive bien, idolatra a su padre, el magnate B.F., y toda su rebeldía consiste en dejar de la noche a la mañana a su prometido de toda la vida y casarse con un profesor de economía y conferenciante a ratos, soñando con irse a vivir a los mares del sur. Si el sueño hubiese consistido en unirse a alguna ONG con funciones humanitarias en países olvidados del mundo, adelante con la rebeldía, pero soñar con cocoteros, palmeras, playas de arena blanca y aguas cristalinas, pues como que no…

Destilando la esencia íntima de la trama, estamos ante temas de permanente actualidad, el trabajo, el capital, las inversiones, los salarios, los beneficios, en definitiva, ante un modelo económico que en los años 40-50 parecía tener garantías ilimitadas de futuro y que hoy, como la primavera que ha venido y nadie sabe como ha sido, se ha esfumado entre especulaciones financieras, riesgos de la Deuda Pública y planes de rescate internacional. B.F., su hija, y cuantos se mueven en su entorno, representan al poderoso caballero don dinero. El profesor de economía junto a su amigo el periodista “progre” están en el otro lado de la moneda, allí donde se gestan las ideologías comunistas. Por cierto, me pregunto si la Comisión de Actividades Antiamericanas se escandalizaría con ciertas afirmaciones sobre los beneficios que se vierten en el film, en una de las escenas con más fuerza del film entre suegro y yerno.

A Robert Z. Leonard no se le puede discutir su experiencia, siquiera sea por el número de films realizados en el primer tercio del siglo XX. La experiencia conlleva, casi siempre, el hábil manejo de técnicas de captación del interés y casi la voluntad de los espectadores. Los finales felices solían gustar a una mayoría de espectadores que buscaba en el cine vías de escape a problemas personales, pero a veces resultaban poco coherentes. Tal vez sea este el caso. Es una idea.

Mi voracidad respecto al cine de la Barby por excelencia del cine clásico me condujo a este film. Los he visto mejores pero tampoco he lamentado el tiempo destinado a él.

Puntación: 6,75

HITLER´S MADMAN (DOUGLAS SIRK - 1943)

2011-07-07T07:37:00.004+02:00

Primer film en Estados Unidos de Douglas Sirk y tal parece que en la Aduana no se había desprendido aún de sus maletas cuando ya estaba filmando una película sobre uno de los personajes más odiosos de la contienda europea y lo hizo juntamente con otros exiliados que como él se habían establecido en USA, por ejemplo Seymour Nebenzal, productor en Alemania de films importantes como M de Fritz Lang o La caja de Pandora de Pabst, Edgar G. Ulmer o el fotógrafo Eugen Schuffan quien no figura en los títulos de crédito pues al parecer no era oficial por aquellos tiempos que estuviese trabajando en USA. Los expatriados germanos habían fundado la productora PRC (Producers Releasing Corp.) cuya “especialidad” eran los films B de bajo presupuesto y rodados casi en un suspiro. Hitler´s Madman se rueda en una semana, tiempo por lo demás bastante habitual, pero con la diferencia que uno de sus pases previos contó con la presencia de Louis Mayer quien gratamente sorprendido se hizo con los derechos para la MGM, precisando de Sirk el nuevo rodaje de algunas escenas.

El atentado que costó la vida al gobernador nazi de la región de Bohemia Reinhardt Heydrich fue un hecho real ocurrido en las afueras de Lidice, pequeña villa checa destruida por Himmler como represalia, asesinados sus hombres y deportadas sus mujeres. Heydrich fue un auténtico y odioso criminal nazi también rememorado por Fritz Lang en su excelente trabajo Los verdugos también mueren y al cual da vida en la obra de Sirk un John Carradine magistral. La película de Lang, coetánea con la de Sirk, es un trabajo más elaborado y completo, pero ello no resta méritos a Hitler´s Madman.

El miedo, la rabia, la entereza y el coraje del pueblo checo ante la versión más inmunda del nazismo representada por un sujeto al que se denominaba "el protector" está perfectamente captada por Sirk y se nos transmite mediante momentos de sobrecogimiento y tensión tanto más duros cuanto más sabemos de su realidad. El premeditado atropellamiento de una procesión religiosa, la incursión de las fuerzas del Reich en la Universidad y el envío al frente de las estudiantes para solaz de las tropas, el brutal asesinato del sacerdote o el impactante desenlace final son instantes mágicos de un film que evidentemente tiene muchos trasfondos, especialmente por el origen germano de los participantes en su realización, pero que no deja de ser un documento histórico de una época y de unos hechos que no han de olvidarse ni deben repetirse.

Puntuación: 7,25

A 23 PASOS DE BAKER STREET (HENRY HATHAWAY - 1956)

2011-07-04T20:29:00.000+02:00

La idea de partida es buena, incluso excelente. El agudizado sentido del oído de un escritor invidente percibe retazos de una conversación inquietante en la que se vislumbran meridianamente intenciones delictivas. Nuestro hombre, al llegar a su apartamento rememora y graba todo lo escuchado poniendo en alerta a una policía que, de forma muy conveniente para el desarrollo de la película, no ve en todo ello nada fuera de lo normal, por lo que el escritor ciego, su ayudante actual y una antigua secretaria y novia planifican una estrategia adecuada a las circunstancias y pasan a la acción.

Seguro que les suena a Hitchcock, pero no, se trata de Henry Hathaway, director de Niágara quien, con la más que aceptable interpretación de Van Johnson y el buen hacer de Vera Miles, consigue una interesante película de suspense aunque a mi parecer algo artificial. La indolencia policial no resulta demasiado creíble, máxime cuando de los datos recordados por el escritor se obtienen suficientes pistas como para iniciar una investigación siquiera rutinaria. Pero no. Y claro, con tanta y tan conveniente inactividad, el trío investigador tiene el camino trillado hacia el éxito.

El cine es cine y tiene sus propias armas, y en saber utilizarlas está gran parte del éxito de los grandes realizadores que en este mundo han sido. Es posible que Hitchcock con una temática como esta hubiese situado a los espectadores un paso por delante de la acción intentando avisar a los protagonistas de los peligros que les acechaban. Hathaway nos sitúa un paso por detrás, a remolque de una trama que se gesta en el cerebro del protagonista. Ambas formas de entender el suspense son totalmente válidas y cada cual tenemos nuestras preferencias, por ello, aunque uno se quede con ese particular “touch” tito Alfred, no dejo de reconocer que “A 23 pasos de Baker Street” ha conseguido mantenerme intrigado y alerta, incluso tras una ajetreada y larga jornada laboral.

Lo que acabo de escribir me parece un ejemplo perfecto de lo odiosas que resultan las comparaciones. Por ello y por tratar de ser justo, quiero acabar recomendándosela.

Puntuación: 6,50

EL FOTÓGRAFO DEL PÁNICO (MICHAEL POWELL - 1960)

2011-06-29T07:44:00.008+02:00

Uno de los directores británicos más sobresalientes fue sin ninguna duda Michael Powell. Trabajos como Las zapatillas rojas o Narciso negro han quedado como perlas de una filmografía donde la fantasía jugó muchas veces un papel fundamental.

Por ello puede sorprendernos esta película donde podríamos decir que la realidad queda ampliamente sobrepasada, efecto que se consigue al sumergirnos en el terreno de los traumas psiquiátricos y hacerlo sin pudor y sin delicadeza, hasta el punto de quedar Powell excomulgado cinematográficamente hablando por la sociedad de su tiempo.

Por lo que acabo de decirles ya supondrán ustedes, y acertarán, que estamos ante un film de culto. Directores de la talla de Coppola o Scorsese al tiempo que una sociedad nueva y no tan escandalizable, pusieron a Pepping Tom en su lugar y hoy, cuando ya las hemos visto de todos los colores, puede parecer ridículo tanto rasgarse las vestiduras allá en los 60.

Es inevitable compararla con la posterior Psicosis. En la película de Hitchcock el trauma se cocina con un tempo cinematográfico agil y con un suspense excepcional, y la psiquiatría pierde matices. En cambio en el film de Powell los espectadores, como consecuencia de esa cámara fotográfica asesina y omnipresente acabamos formando parte casi delictiva de una historia sin apenas misterio pero que ofrece referencias de voyeurismo, de sexualidad reprimida y de éxtasis liberador, en ese último instante donde la imagen se superpone con la muerte.

Los experimentos científicos que un psiquiatra especialista en miedos realiza de forma permanente con su propio hijo traumatizan a éste hasta el punto de asesinar a sus víctimas captando con su cámara el cénit de su pánico ante la inminencia de la muerte. Un tema duro realizado sin concesiones a la pacatería y eso le costó el puesto a Michael Powell, pero el tiempo, juez y señor, quita y. como en este caso, da razones, muchas y buenas-

Puntuaciòn: 7,80

EL ASESINO POETA (DOUGLAS SIRK -1947)

2011-06-26T07:37:00.029+02:00

Los primeros compases de Sirk en Estados Unidos tras su exilio germano fructificaron en una serie de películas que, por un lado, iniciaban ese melodrama suyo tan característico y por otro conservaban el auténtico sabor del inconfundible expresionismo alemán mamado desde la cuna. Una buena película que puede considerarse ejemplo de lo dicho es Lured, traducida en España como El asesino poeta y donde la temática del asesino en serie tipo Jack el destripador en las nocturnidades de la city envuelve al espectador en esa atmosfera tan típicamente expresionista y languiana.

Claro que para poder empezar a disfrutar de las excelencias que sin duda tiene el film lo primero que hay que conseguir es desembarazarse de esa imagen arquetípica de Lucille Ball como artista casi exclusivamente de comedia y es que lo del televisivo show de Lucy Ball la marcó y mucho. Cuando lo hagamos y veamos que la cosa va en serio, la misma mirada nueva nos dirá que estamos ante un interesante film de suspense que arrastrará nuestra imaginación incluso y salvando distancias, hasta la etapa británica del maestro Hitchcock y que de calificarlo como serie B lo estaremos bendiciendo de alguna manera, porque la B además de barato es la inicial de bueno. Como se habrán dado cuenta lo de serie B lo he escrito en condicional, porque una película que cuenta con la fotografía de William Daniels es un auténtico lujazo.

La historia trata sobre un asesino que contacta con sus víctimas por la vía de los anuncios por palabras y que anticipa sus crímenes mediante enigmáticas poesías que remite a la policía londinense. La amiga de una de las chicas desaparecidas es contratada como cebo por Scotland Yard. No puede decirse que la temática sea extremadamente original ni a priori podemos esperar que nuestra capacidad de sorpresa se vea ampliamente desbordada. Sin embargo la película contiene momentos excelentes y mantiene en niveles altos el interés de los espectadores.

La presencia de George Sanders en su línea bastante habitual “soy un truhán, soy un señor” es de agradecer así como la de un secundario de primera como Charles Coburn. La escena de Boris Karloff viene a ser algo así como un sketch interior de la película, hecho a medida de una de las grandes figuras del género terrorífico.

Interesante, aunque un tanto predecible, no estamos ante una obra maestra pero si ante un trabajo que agradará a los seguidores de Sirk, a los de Lucy Ball e incluso a los de Sanders, pero sobre todo a los que nos gusta la mezcla de cine negro, barroquismo y altas dosis de suspense.

Puntuación: 7

CHINA DOLL (FRANK BORZAGE - 1958)

2011-06-23T18:46:00.001+02:00

Dentro de mi repaso a la filmografía de Franz Borzage le ha tocado el turno a China Doll, película que a priori arrastra el “lastre” para algunos de contar con la presencia interpretativa de Victor Mature. Reconozco que no es un actor que me entusiasme demasiado y si tuviese que establecer rankings, probablemente se escondería en el montón de la mediocridad. Pero dejando dictámenes para doctores de la Iglesia, que haberlos háilos, este es uno de los trabajos de Mature, junto a El embrujo de Sanghai, al lado de Gene Tierney, donde más me ha convencido. Curiosamente en ambos parecen venirle como anillo al dedo su natural semblante orientalizado. Tal vez sea por ello…

No es el mejor Borzage. Su “Séptimo cielo” me dejó mejores sensaciones a la par que le acreditaba como uno de los mejores directores de los inicios del arte cinematográfico. Se trataba de un film que de haberse parido en Francia muy fácilmente lo habrían catalogado entre el realismo poético o similar. China Doll no es el caso. En China Doll la realidad es cruda y aunque se agradece el toque exótico oriental, se echan en falta esperanzas. En justicia, no todo es achacable a las habilidades directoras de Borzage quien probablemente saca el mejor partido posible de un guión a mi juicio demasiado predecible y donde la única incógnita es en qué tiempo y lugar van a caer las bombas y a cuantos y a quienes va a matar, un argumento que no deja lugar a ese romanticismo tan borzaguiano del contigo pan y cebolla al que nos tenía gratamente acostumbrados. No obstante estoy de acuerdo con lo expuesto, al respecto de Borzage en Cinema de perra Gorda: "... imponiendo los rasgos de su estilo y su exquisita sensibilidad a un relato que en otras manos estaría condenado al fracaso más absoluto. "

Entre las anécdotas de la película tenemos la interpretación de la actriz china Li Hua Li, contratada al efecto por de Mille para participar en The buccaner, película comentada en este blog y protagonizada por Yul Brinner. La actriz viajó al efecto desde Hong Kong pero no participó en ella sino en esta China Doll, donde si no tiene más líneas de diálogo fue porque no sabía ni papa de inglés. Es cierto que uno de los activos de la película son las miradas y los gestos, en ese estilo carácterístico flor de té y luna de agosto, pero es también verdad que Li Hua Li, todo un personaje en su país como más de 60 películas interpretadas, muchas de ellas de producción propia, tenía las ideas súper claras en lo que figuraba estipulado y firmado en su contrato, y por ello se negó rotundamente a besar a Victor Mature (las malas lenguas hablaron de aliento a cebolla y de continuas disputas entre los dos artistas)

Su interpretación es inmejorable, con la candidez justa y esperada. Su sonrisa perfecta. Su rostro juvenil a pesar de sus 30 primaveras. A su lado Mature resiste el envite y es un mérito. La guerra, gran cercenadora de las vidas tanto de los que ya han vivido como de quienes no han tenido la oportunidad, se lleva no obstante la parte del león en una película que quizás no sea demasiado representativa del cine de Borzage pero que da mucho que pensar y sin duda es imprescindible para quienes tratamos de acercarnos a su trayectoria detrás de las cámaras.

Puntuación: 6,75

FORAJIDOS REBELDES (HUGO FREGONESE - 1954)

2011-06-16T06:58:00.000+02:00

Probablemente el western haya sido el género cinematográfico más visto en la corta historia del cine. Aparentemente inocuo ha llenado sesiones televisivas matinales o de tardes de domingo con sus personajes de valores legales inquebrantables y certera puntería, romances con final feliz y unos odiosos individuos con aspecto ligeramente humano a los que se vino a llamar indios. Evidentemente estoy generalizando tanto que parezco olvidarme de films como Pequeño Gran Hombre de Arthur Penn , La puerta del diablo de Anthony Mann o El gran combate de John Ford, donde se da una visión bien ditinta.

El director argentino Hugo Fregonese, de quien ya comenté su noir Black Tuesday, rueda en EEUU un western poco usual, ambientado en la guerra civil americana y basado en hechos reales: The raid (Fugitivos rebeldes). Como ocurre con frecuencia, los títulos castellanizados restan matices a los originales y aunque, como en este caso, expliquen lo fundamental se dejan otras cosas en el tintero. Es cierto que se trata de un grupo de fugitivos sudistas a los que se idéntica con la palabra rebeldes, pero no es menos cierto que la palabra “raid” tiene significados de incursión y de guerra de guerrillas y que la película documenta, en este sentido, prácticas que se hicieron habituales en la guerra de secesión especialmente después de que los llamados “documentos Dahlgren” demostraran que un grupo de soldados del Norte se habían introducido en territorio confederado con la finalidad de asesinar al Presidente sureño Jefferson Davies y a su equipo de colaboradores, Esto motivó contraofensivas de “guerra sucia”, espionaje e infiltraciones.

En este ambiente se maneja el argumento de esta película de Fregonese, que cuenta con un director de fotografía de excepción como Lucien Ballard (Valor de Ley, Atraco Perfecto, La Huida, Grupo Salvaje) y un plantel de actores francamente bueno: Van Heflin, Lee Marvin, Peter Graves, Anne Bancroft o Richard Boone y donde, de alguna manera, se deja un tanto de lado el western del gatillo flojo y el muerde la bala para dar paso, en un estilo más parecido al de otros directores como Tourneur, al western más humanizado con su cargamento de conflictos íntimos y personales. La cobardía o la venganza están ahí, al lado del amor imposible o de la veneración en los ojos de un niño. No exenta de suspense y de acción la película es un retrato bastante acertado de un momento histórico y al mismo tiempo una agradable sorpresa.

Puntuación: 7,00

HOTEL DU NORD (MARCEL CARNÉ - 1938)

2011-06-13T07:21:00.015+02:00

Al conocer que este film de Carné se situaba entre los más representativos del “realismo poético” me interesé por conocer que se entendía y englobaba en tal concepto. A priori me desconcertaba la aparente contradicción entre realismo y poesía y no acababa de encontrar conexiones entre ambos. Rebuscando en esta fuente inagotable que es Internet encontré una idea que me resultó válida y que espero lo sea también para aquellos lectores que, como yo, puedan andar desubicados en estas cuestiones:

“La búsqueda de representar una realidad lúgubre a través de un equilibro de veracidad y belleza estética, la atención a cualquier detalle, cuanto más insignificante incluso mejor, la creación de un lirismo visual que no niegue el pragmatismo de las imágenes y de las ideas propuestas, se anteponen a cualquier cuestión genérica, y eso que en las historias del realismo poético subyace en todo momento un gran sentido de tragedia, cotidiana pero con pretensiones más generales.” http://www.miradas.net/2009/09/estudios/realismo-poetico.html .

A diferencia de lo que ocurre con el neorrealismo, donde la realidad pura y dura era la nota dominante llegando en ocasiones al punto de prescindirse de actores profesionales, aquí la realidad se muestra pura pero el lenguaje lírico le resta dureza aunque, bajo mi punto de vista, no mengua su fuerza.

Hotel du Nord me ha interesado. Es cierto que no es una película fácil, especialmente si en el horizonte seguimos teniendo como referencia esas producciones USA donde lo importante no es la realidad sino lo que la altera. Aquí no. El tiempo en que se desarrolla el realismo poético ( 1930-1947) es un período crudo y difícil de la Europa de entre guerras y no es casual que naciese en una Francia sobrada de crisis y siempre en el pleno centro de los conflictos continentales. Incluso se ha comentado que en muchas películas los conflictos y situaciones de los personajes tienen una lectura mucho más profunda y entroncada con la realidad histórica y social.

Esta puede ser la razón última de las intenciones suicidas de una pareja de enamorados, cansados de buscar salidas en una sociedad donde todas las puertas se cierran. La elección del Hotel du Nord como lugar para consumar sus ideas terminales permite mostrar a los espectadores un panorama muchos más amplio de la realidad francesa y parisina acercándonos a personajes ciertos y de carne y hueso. La prostituta y su chulo, el niño adoptado, el confitero homosexual, el marido confiado y la esposa ligera, y otros ejemplares de una fauna urbana en tiempos de crisis y supervivencia.

El cine de Carné bebe de las fuentes expresionistas alemanas. Esta circunstancia, que es notoria en los juegos de luces y sombras en las paredes de la escalera del hotel, confiere un plus artístico a esta película e invita a revisar otros trabajos suyos como Quai des brumes o Le jour se léve. Respecto a los actores destacar la presencia y el trabajo de Arletty como prostituta y de Louis Jouvet como su chulo, ambos inigualables y muy por encima de los teóricos actores principales: Annabella y Jean-Pierre Aumont.

Un film que resulta un magnífico ejemplo de lo que antes definíamos como realismo poético y donde se demuestra la dificultad del trabajo de directores como Carné, Renoir o Duvivier que conseguían ponerle galas a la realidad sin impedir que esta nos siga sobrecogiendo.

Puntuación: 8,75

TODOS ERAN MIS HIJOS (IRVING REIS - 1948)

2011-06-06T07:40:00.004+02:00

Basada en la obra teatral de Arthur Miller con 328 representaciones en Broadway en el año 1947 y diferentes premios (entre ellos el Tony Award a su director Elia Kazan) fue llevada al cine por Irving Reis de la mano de un veteranísimo actor como Edward G. Robinson y de un novel de muchísimo éxito (especialmente trás Forajidos) como era el caso de Burt Lancaster. Por si ello no fuese bastante la fotografía corrió a cargo de Russell Metty de quien, para no cansarles, solo citaré su trabajo en Sed de Mal de Orson Welles.

Todo pintaba bien si no hubiese sido por la HUAC, es decir por el Comité de Actividades Antiamericanas empeñado en ver por doquiera conspiraciones no judeo masónicas (que allí los judíos tienen mucho peso) pero sí comunistas. La obra de Miller no dejaba de ser un ataque a unas estructuras capitalistas carentes de todo principio ético y que no dudaban en aprovecharse de la situación de guerra para obtener pingües beneficios. Cualquier alusión, por pequeña que fuese, a los diablos rojos o a sus ideales, en el país de los sueños y de las posibilidades para todos, era poco menos que pecado mortal en aquellos tiempos de la caza de brujas, por lo que el guión tuvo que dar un giro a su enfoque anticapitalista y centrarse más en la falta de escrúpulos de las personas antes que en la del sistema. Salir de Pilas para meterse en Pilatos, evidentemente, pues tampoco eran senatorialmente bien vistos los ataques al “life style” americano.

Este es el entorno en que se mueve la difícil realización de un film interesante con grandes interpretaciones y en el que, como no podía ser de otro modo los diálogos llevan todo el peso de la historia. Las justificaciones, los remordimientos, el miedo, la familia, la deslealtad y la muerte, están ahí reclamando su espacio y su momento. La historia de un hombre que a sabiendas vendió material en mal estado al Ejercito a consecuencia del cual murieron directamente muchos soldados e indirectamente su propio hijo es dura de digerir especialmente en los no tan felices años 40. Uno y otros eran sus hijos y al tiempo los hijos de una América con demasiadas, y muy recientes, heridas de guerra.

Puntuación: 7,7

TODO EL ORO DEL MUNDO (RENE CLAIR - 1961)

2011-06-03T07:14:00.005+02:00

No es condición imprescindible pero sí resulta conveniente avanzar a través de la filmografía de un determinado director en orden temporal. La mayoría de nosotros navegamos al azar, al albur y sin brújula, o, como se suele decir, brujuleando aquí y allá, perdiendo la visión panorámica del desarrollo personal y artístico de los directores que en el mundo han sido. Ejemplos hay muchos. La etapa americana de Hitchcock se ha visionado en casi todos los casos antes que su etapa silente e inglesa. Ya digo que la cosa no reviste mayor interés pero serviría para entender el cine no solo desde el ángulo “impersonal” de los propios films sino en el aspecto del crecimiento humano de sus creadores. Hago esta apreciación a raíz de la película “Todo el oro del mundo” dirigida por René Clair y uno de los últimos trabajos de quien ha sido considerado uno de los mejores directores franceses de todos los tiempos.

Estamos ante un film menor de un gran cineasta muy recomendable. Eso sí, les sugiero a quienes no conozcan sus trabajos que se inicien, por ejemplo, con “Sucedió mañana” para poder apreciar en plenitud ese característico tono cuento-film a lo Frank Capra, que se percibe igualmente, aunque con menor intensidad, en “Todo el oro del mundo”. Yo por mi parte trataré de aventurarme más atrás en el tiempo en una especie de búsqueda de las fuentes del Nilo de este buen orfebre del arte Lumière.

Todo el oro del mundo bebe de las aguas berlanguianas de aquel Bienvenido Mister Marshall premiado en el Festival de Cannes de 1953, premio que Clair indudablemente conocía. La especulación urbanística, las expectativas de desarrollo en el marco rural, los contrastes entre las prisas de la urbe y la tranquilidad rayana a la indolencia de la vida en el campo, y el inevitable Mr. Marshall aquí conocido por Mr. Hardy ( Phillippe Noiret ) con muchas promesas económicas y pocos hechos, son el caldo de cultivo de un film apropiado para “cinemás de quartier” de las tardes sabatinas en Tele France o similares, con un Bourvil como sucedáneo francés de nuestro inimitable Paco Martínez Soria y con la versión “galoise” de una serie de personajes arquetípicos de ese cine nuestro tipo “la ciudad no es para mi”.

Sin embargo René Clair no se limita a buscar la sonrisa/carcajada fácil. La propia trayectoria le hace ser crítico con un desarrollismo que queda patente desde las primeras imágenes del film con una ciudad como París absolutamente colapsada y cuyos habitantes aparecen crispados hasta límites inusitados que hacen entendible la alternativa de la vida rural. Lo que René Clair sugiere en tono cómico es la coexistencia con la naturaleza antes que el destrozo de la misma. Esta podría ser la moralina de un film discreto, entendible en la óptica amplia de una filmografía más que notable de un gran realizador, y que nos invita a seguir ahondando en su cine.

Puntuación: 6

ESTA MUJER ES MÍA (W.S. VAN DYKE - 1940)

2011-05-30T07:00:00.004+02:00

Hay actores a los que nos cuesta infinito imaginárnoslos de otro modo. Seguramente coincidirán conmigo que Spencer Tracy es uno de ellos, anclado per secula seculorum en personajes de valores personales profundos o cuando menos de trato amigable, distendido, juicioso y con sentido del humor. Seguramente habrá excepciones, pero no harán más que confirmar esta regla. En el caso que nos ocupa, Tracy da vida a un doctor comprometido con la gente y con su profesión, disconforme con las prácticas médicas de algunos colegas suyos que desde suntuosos edificios se dedican a sanar a hipocondríacas adineradas mordidas por lindos gatitos. El papel le sienta a Tracy como anillo al dedo y aunque la película no venga a ser nada del otro jueves, el actor deja trazas de su excelente profesionalidad.

Junto a él, en el rol femenino de señorita acostumbrada al buen vivir y con problemas sentimentales, Hedy Lamarr pone encanto, figura y belleza y algunas dotes, no demasiadas, como actriz. Su imagen acapara la pantalla y nuestros ojos secuestrados le rinden pleitesía, pero quizás por esa misma razón acabamos advirtiendo que el “talento” corporal cobra notoria ventaja sobre el artístico. No quiero pecar de injusto, la muchacha lo intenta y la resultante es un trabajo digno, que, si se deciden a verla, les entretendrá y les ofrecerá alguna que otra moralina.

De entrada les diré que el proyecto de esta película tardó bastante en realizarse y en el participaron en distintas épocas directores como Joseph von Sternberg, Frank Borzage y el propio W.S.Van Dyke. Las intromisiones de Louis B.Mayer, obsesionado con hacer de la Lamarr de Extasis una gran estrella, no gustaban a Sternberg por lo que se retiró y su material fue descartado. Borzage y especialmente Van Dyke (en 23 días) terminaron un proyecto que se conoció como “ I re-take this woman” ( con el re delante) o La locura de Mayer.

Como en todos los films que repaso, ha tratado de encontrar, como si de Wally se tratase, esa ostra madrepórica con perla dentro que se esconde en algunas películas. En este caso la sandokaniana perla de Labuán la encontramos en Verree Teasdale. Una de actriz de la que tenía pocas referencias pero que borda un personaje fuerte y con carisma. Toda la debilidad de Georgi Gragore(Hedy Lamarr), todas sus inseguridades, se contrapuntean con la fortaleza de Verree. Su personaje de Madame Cesca, propietaria de una tienda de modas de señora con buenísimas relaciones sociales daba mucho juego pero la fuerza interpretativa de que hace gala, lo mejora sin ninguna duda.

Llegados a este punto de que apenas les he dicho nada del argumento. Bueno, no suelo dar demasiadas pistas. Baste decir en este caso que las desventuras sentimentales de Georgi en lugar de sumergirla en las aguas oceánicas la sumergen en los brazos matrimoniales del Dr. Karl Decker, pero la sombra del anterior amor sigue siendo alargada. Sencillo resumen de una película que más bien pasó a la historia por las controversias de su realización que por méritos propios, aunque se deja ver y alguno tiene.

Puntuación: 6,00

UNA FIESTA DE PLACER (CLAUDE CHABROL - 1975)

2011-05-26T10:27:00.007+02:00

De forma similar a lo que ocurre en mis escasos acercamientos al cine de Rohmer, esta película de Chabrol requiere consulta al anuario de 1975. Lo primero que dice Wikipedia es que fue un año “normal” (aunque habría que precisar lo que se entiende por normal) y lo segundo es que fue designado por la ONU como Año internacional de la mujer (Al parecer Chabrol no debió enterarse). Otros acontecimientos relacionados de alguna manera con el presente comentario son: La patente del cubo de Rubik (de cuya fuente bebe Una fiesta de placer) o la muerte del General Franco en España por sus connotaciones con esa libertad de la que tanto se habla en el film.

Ubicados en contexto, quiero decir que así como Chabrol me encantó con su cotidianeidad del asesinato en El carnicero, aquí me ha decepcionado, no del todo, pero sí bastante. Es cierto que la película resulta cuando menos curiosa al sustentarse sobre un guión de Paul Gégauff, basado en su propia vida e interpretado tanto por él mismo como por su ex esposa y por su hija . O séase, que en este caso la ficción no supera a la realidad sino que acaban firmando unas decorosas tablas.

Dicho lo anterior y avisando que seguiré repasando la filmografía de Claude Chabrol, les anticipo a quienes pretendan emprender viaje al fondo de la mente de Philippe que se encontrarán un explosivo coctel Molotov, donde al lado de la paranoia y de los tonos monocordes encontrarán referencias a la libertad, Descartes, Zoroastro, al sexo libre y al la maté porque era mía, que más parece un dramón patrio que una película europea o esta no es la Europa que nos contaban, que nos la han cambiao…

Sea por justificar sus propias aventuras de cama y almohada, sea por estar a la “mode” en tiempos de “te amo, me amas y nos acostamos con quien nos da la gana” o sea por mantener la posición dominante sobre la esposa sumisa (“toíto te lo consiento pero ándate con ojo y sobre todo ocúpate de mí”) – aclaro, los entrecomillados no son de la película, sino un resumen mío muy personal para no cansarles- sea por lo que sea, el amigo Philippe jugando a fraternités, egalités y sobre todo a libertés se va encontrando compuesto y sin novia que decimos por aquí, sin nadie a quien recriminar, humillar y dominar. Y ¡hasta aquí podíamos llegar!, con los amigotes de risa floja… No, no. Rien de rien. Y donde muere uno mueren dos.

Y hasta ahí puedo leer… El resto lo averiguan ustedes. Por cierto, en la vida real el tal Paul Gégauff murió acuchillado por su última mujer.

Espero que los Chabrolianos que los hay y muchos, y con toda la razón del mundo, no se me tiren a degüello. Ellos saben perfectamente que este no es su mejor film. Seguiré insistiendo y vendrán tiempos mejores…

Puntuación: 5 (raspao)

LOS MALDITOS (RENÉ CLEMENT - 1947)

2011-05-23T07:01:00.000+02:00

La influencia de la ocupación alemana en el cine francés de la postguerra es evidente en muchos de sus cineastas. Tal es el caso de René Clement, director de quien comenté en este blog, su excelente película ¿Arde Paris?, excelencia a la que no son ajenos los co-escritores del best-seller del mismo nombre, Dominique Lapierre y Larry Collins. Otros trabajos de Clement como La bataille du rail o éste Les Maudits recogen diferentes aspectos de la contienda y en el caso que nos ocupa del éxodo nazi hacia la tierra “prometida” de Sudamérica.

Les anticipo que como casi todas las historias cinematográficas que se desarrollan a bordo de un submarino (en este caso virtual y recreado en estudio) la película tiene un nivel claustrofóbico elevado con altas dosis de adormidera, por lo que es recomendable su visionado con la merienda y tras practicar el deporte de la siesta patria. Hacerlo en otras horas exige esfuerzos propios de titanes. Pero no se me confundan, la película es soporífera pero no mala. Los estudios psicológicos de una serie de personajes unidos por el nazismo y por intereses poco confesables son notables y Clement consigue lo que pretende, mostrar las miserias humanas absolutamente patentes en los instantes crepusculares de aquellos que se llamaron a si mismo, dioses.

El submarino, cual arca de Noé, es un compendio del zoo humano que ocasionó la guerra: Generales de la Gestapo, ideólogos del régimen, empresarios a nómina, periodistas colaboracionistas, queridas, científicos e incluso se sugieren relaciones homosexuales y de humillación. Un estudio en gris en un momento bélico que se intuía final y donde los homicidas y sus adláteres trataban, sin ningún escrúpulo, de salvar el trasero.

La película no fue bien acogida en su estreno. Probablemente el acolchado de las butacas de las francesas salas de cinema era de buena calidad y potenció el efecto-cloroformo, especialmente en las sesiones nocturnas.

Puntación: 6,6

PARA ELLA UN SOLO HOMBRE (MICHAEL CURTIZ - 1957)

2011-05-20T13:02:00.001+02:00

De nuevo Michael Curtiz y de nuevo una historia de ascensos sociales en una sociedad norteamericana de musicales Broadway, Ley Seca empapada de corrupción y delincuencia y niña buena tipo mamá quiero ser artista. Con tintes Mildred Pierce y Flamingo Road, la historia de Helen Morgan se me coló de rondón como si de un film noir se tratase y sinceramente creo que se aleja bastante de las líneas esenciales de este tipo de cine a pesar de moverse entre delincuentes que hacían su agosto adulterando bebidas alcohólicas y cuyo principal y poco confesable interés era el ascenso en un escalafón donde los méritos se asocian al delito y a las balas.

La película puede suponer para muchos el redescubrimiento de Anne Blyth después de un buen trabajo en la citada Mildred Pierce (Alma en suplicio) pero también nos acerca a la figura real de una cantante popular en los ruidosos y violentos 20, Helen Morgan, cuya vida se segó prematuramente a los 41 años como consecuencia de una cirrosis evidentemente derivada del alcohol y en la que tuvo mucho que ver sus fracasos y desengaños amorosos. A pesar de ello, la productora Warner celosísima de la salud mental y del estado anímico de sus espectadores, se desmarcó con un “conveniente” cambio radical en el desenlace de un film presuntamente biográfico.

Es de justicia reconocer la maestría de Michael Curtiz quien, a pesar de hacer películas como quien hace churros, conseguía sacar partido de guiones y de historias que en manos de otros realizadores hubiesen pasado desapercibidas. Es verdad que no todas sus películas eran genialidades pero todas llevaban su sello de calidad incontestable. La historia de Helen Morgan no es solo la historia de una cantante. En ella hay una serie de elementos típicos de aquel cine gangsteril en el que tan bien se movían Cagney, Paul Muni o Edward G.Robinson, elementos que Curtiz sabe aunar con profesionalidad. Por cierto, alguna cadena televisiva programó recientemente Boardwalk Empire, serie sobre la Ley Volstead, la mafia, Capone, Luciano y demás. Realizada, entre otros, por Martin Scorsese es un mosaico muy bien dibujado de la vida y la corrupción de estos mismos años en los que transcurrió la vida de Helen Morgan. Premiada con el Globo de Oro tanto a la serie como a su actor principal, Steve Buscemi, se la recomiendo.

Los fans de Paul Newman también tendrán ocasión de conocer uno de sus trabajos. En un papel relativamente principal, aunque algo intermitente, Newman deja destellos de buen actor pero no consigue deslumbrarnos. Quizás a la película le falte esa gran escena donde los grandes artistas son puestos a prueba. Por recordar alguna, me quedaría con una donde Helen Morgan al más puro estilo Annie Manzanas (recordemos Lady for a day de Kapra), rodeada de vagabundos como ella, escucha y reconoce públicamente su propia voz en la radio de un bar entre las burlas de sus compañeros de miserias.

Sensualidad, tonos de jazz y unas letras tan vitales como tristes configuran la música de una película que se mueve entre el musical, el drama biográfico, el documental histórico de una época y el thriller años 20. La voz de Helen Morgan es recreada por Gogi Grant pero Anne Blyth pone la interpretación y el buen hacer, y es ella sola quien saca adelante una película semi desconocida pero interesante.

Puntuación: 6,75

AMOR PROHIBIDO (FRANK CAPRA - 1932)

2011-05-17T12:49:00.002+02:00

Para cualquiera que se precie de aprendiz de brujo cinéfilo ver una película de Frank Capra es toda una obligación. Da lo mismo si se trata de sus primeros escarceos tras la cámara o si nos encontramos con el Capra veteranísimo contador de cuentos maravillosos. Capra es una asignatura obligada de esas que si no se supera imposibilita el pasar de curso. Poseedor de sillón propio en mi particular Olimpo de dioses cinematográficos , componiendo junto a genios de la talla de Lang, Lubitsch, Hitchcock, Ford, Tourneur y Billy Wilder, mis seven magnificiens del arte-lumiére. Y si, como es el caso, la estrella Capra brilla junto a la estrella supernova Stanwyck, y no es por ponerse poético, el firmamento se ilumina y el resto de estrellas palidecen (¡me he pasao! ¡mi devoción por Frank y Barbarita me ha podido…!)

En muchas ocasiones me limito a dejar mis impresiones buenas, malas o regulares sobre cualquier film. En este caso se la recomiendo expresamente. La interpretación de Bárbara Stanwyck es soberbia, la de Adolfe Menjou, entre las mejores que recuerdo y hasta Ralph Bellamy no desentona. Y Frank Capra tras la cámara dando una lección magistral de buen hacer. Es cierto que hay una historia intensa (del propio Capra) como pocas, que agarra al lector-espectador y lo zarandea de forma despiadada entre lo conveniente y lo necesario, entre el amor y la virtud, entre el egoísmo y la generosidad, pero eso hay que darle forma. El diccionario tiene palabras y el cine imágenes. Y no siempre una imagen vale más que 1000 palabras. Pero si detrás de esa imagen está una señora de la escena como Barbara Stanwyck y un director de sueños y sentimientos como Capra la traducción literario-cinematográfica alcanza plenitudes poco habituales.

Y lo curioso es que les estoy hablando de una temática plenamente habitual en el cine de ayer y de hoy, el engaño marital. Si hasta Machín lo decía “¿Cómo se pueden querer dos mujeres a la vez y no estar loco? ”. Aquí ronda la locura como lobos que acechan sin morder, locura de amor sin Felipe el Hermoso pero con candidato político, y a plena luz de las candilejas, la prensa acechando su presa. Y, por encima de todo un “ni contigo ni sin ti” que los espectadores compartimos hasta el punto de gritar por lo bajini “¡Vuelve a La Habana a vivir tu historia de amor!. Una historia corriente y común que Barbara Stanwyck llena de fuerza, rabia, dolor, desprecio, ilusión, renuncia y por encima de todo, de amor.

La película me trajo el recuerdo vívido de otra gran película de la misma actriz, Stella Dallas, con la mayor renuncia que una madre puede hacer, la de su hija, por su futuro y por su bienestar. La imagen de Stella Dallas apoyada en la frialdad de una verja queda reemplazada por la de Lulú Smith entre la multitud de asistentes a una convención donde su hija asiste a la elección política de su padre y leiv motiv de la vida de su madre real. Del hombre que le dio la vuelta a la existencia de una “señorita aburrida” que solicitaba al maitre una mesa unicamente para una sola persona y que, en una escena maravillosa, empapaba su tristeza en la soledad de un banco del parque. Formalmente no estamos ante un cuento de la abuelita Capra en sentido estricto, pero sí ante una historia de heroicidades cotidianas con moralejas de las que aprender.

Puntuación: 8,8

NONE SHALL ESCAPE (ANDRÉ DE TOTH - 1944)

2011-05-14T09:10:00.004+02:00

Entre los tuertos ilustres del cine mundial existen genios de la talla de Ford, Raoul Walsh, Nicholas Ray o el mismísimo Fritz Lang. Sirva este comentario para reivindicar la figura de otro tuerto con menos renombre: André de Toth. De origen húngaro, los avatares bélicos de una Europa convulsa le obligaron a exiliarse a Inglaterra donde colaboró con Zoltan Korda en producciones como El libro de la selva y posteriormente a los Estados Unidos donde se consagró como un buen artesano cinematográfico. En este blog ya he comentado algunas películas suyas por lo general con calificación alta. Esta “None shall escape” es la confirmación a una regla de espléndidos trabajos y la excelsa guinda de una filmografía a la que no le vendría mal un repaso por nuestra parte.

Resulta curioso que la película se estrene en 1944, antes de la finalización de la 2ª Guerra Mundial, y se centre al más puro estilo Vencedores y Vencidos en un proceso donde se juzgan los crímenes de guerra del oficial alemán Wilhelm Grimm, anticipando lo que luego será conocido como el Juicio de Nuremberg. El preámbulo del juicio, su desarrollo mediante flashbacks cinematográficos y su coherente final, traen a la memoria películas como Esta tierra es mía, La noche de los generales o incluso Los verdugos también mueren (ambientada en Praga) de Fritz Lang. Evidentemente existen diferencias entre ellas, pero todas tienen en común el conflicto bélico y las aberraciones y el fanatismo de la ideología nazi.

Película dura donde las haya. Desgraciadamente la guerra y la violencia son compañeras de camino, pero el genocidio, la maldad y la falta de los más elementales sentimientos humanos no precisan de razón que los justifique. La dureza no está tanto en la imagen de los cuerpos acribillados sino en la barbarie absoluta de sus asesinos. En ese oficial que manda a su hermano y al que además debe su propia vida, a un campo de exterminio. En ese mismo militar que viola por despecho y mata por venganza. Y en ese monstruo que incluso llega a matar a su sobrino casi hijo por renegar del ideario nacionalsocialista. Y yo me pregunto ¿Qué más hubiese podido añadirse cuando meses después las tropas aliadas mostraron a la humanidad los campos de exterminio y las cámaras de gas?.

Estas películas siempre tienen mucho de doctrina, de enseñanza a las generaciones presentes y futuras, para que nunca se olviden y así se eviten hechos como los que aquí se narran. Los crímenes de la Alemania hitleriana llevaron a la especie humana a su escalón histórico más bajo. No valen argumentos de raza ni de orgullo herido. No valen patentes de corso en nombre de estrellas gamadas y Valhallas soñados. Esta es la conclusión que debe sacarse de un film donde Toth hinca con todas sus fuerzas el dedo en aquellas uniformadas gangrenas. Y el título lo dice todo “None shall escape”.

Puntuación: 8,5

JUEGO SUCIO (ALFRED HITCHCOCK - 1931)

2011-05-11T07:00:00.001+02:00

La British International Pictures encarga a Hitchcock un proyecto basado en una obra de John Galsworthy de cierto éxito teatral y don Alfredo se pone a la tarea con más deber que convicción. ¿La resultante? Un film absolutamente menor y difícilmente encajable en su filmografía que defraudará a quienes se enamoraron cinematográficamente del mago del suspense y obligará a sus incondicionales a un trabajo superlativo para encontrar rasgos identificadores de su cine más personal.

Juego sucio es una historia de dinero. Por una parte están quienes carecen de casi todo y se mueven en la dirección de los vientos que soplan desde las distintas fortunas, por otra, las clases aristocráticas, unidas a la tierra, la historia y la tradición y, finalmente, esa sociedad rica y advenediza que crece a la par que la industria, la modernidad y el progreso. Este es el patio en el que se desarrolla un enfrentamiento entre dos familias donde el chantaje y el juego sucio son ese caldo donde se cultivan las desgracias personales y, es fácil suponer, la muerte.

¿Es justificable lo del ojo por ojo y la ley del Talión? ¿Es válido aquello de que el fin justifica los medios? ¡Cuántos pecados se cometen en nombre de la sociedad victoriana! Estas son algunas de las lecturas que podemos hacer de un film donde Hitchock dejó su impronta de forma muy fugaz (la escena de la subasta) y que acusa bastante el tránsito entre el cine silente y los nuevos “talkies”, con sobreactuaciones que la palabra hacía innecesarias.

Destacar a Edmund Gween, buen actor al que recordamos por aquel científico de Calabuch (Luis García Berlanga) y al que se suele identificar en papeles de buena persona. Aquí se sitúa en el lado opuesto de las vías.

Resumiendo. Perdida la magia y casi el suspense, la película invita a explorar otros méritos. Si no desesperan mucho y tienen al tito Hitchcock en sus altares, algunos encontrarán.

Puntuación: 5,5

CUBA (RICHARD LESTER - 1979)

2011-05-08T07:09:00.000+02:00

La Habana es Cádiz con más negritos decía el recordadísimo Carlos Cano. Por ello, Richard Lester viene a la Tacita de Plata con los trastos de filmar para, mezclando historias secundarias, situarnos en la historia principal de la Cuba pre-revolucionaria. La realidad cubana de los 50 contemplada tangencialmente, como telón de fondo y casi de soslayo hubiese sido una opción respetable y probablemente hubiese dado lugar a una excelente película. Pero no es el caso de esta Cuba de Richard Lester donde, personajes que están metidos hasta las cejas en el meollo del conflicto, parecen más interesados en asuntos de cama y almohada que en lo que en realidad les ha llevado hasta allí.

Tenemos americanos vendiendo armas y buscando negocios baratos que rentabilizar, militares ingleses dispuestos a ser el brazo armado de la contrarrevolución y por descontado tenemos a Fulgencio Batista a punto de poner pies en polvorosa. Están los dólares americanos facilitando trámites y conquistando voluntades. En Santa Clara está Fidel. En La Habana, el rancio glamour de Flamingo y sus stripteases. Las miserias a flor de calle y el lujo en piscinas y campos de golf. Pero por encima de todo ello, Lester reduce su película a, dos cosas, una relación amorosa reencontrada entre el comandante inglés (Sean Connery) contratado para exterminar a los insurrectos y la nuera (Brooke Adams) del fundador de un imperio empresarial dedicado al tabaco y al ron , y la otra, a salvar el “honor” familiar de la querida del ocioso hijo, bebedor, mujeriego y entendido en caballos. Lo principal pasa a segundo plano, el exterminio se queda en una simple escaramuza entre cañaverales y la revolución parece perder importancia ante el honor recuperado en forma de una mancha de sangre que se extiende incómoda sobre las aguas cloradas de la pileta de lujo.

Alguna perla, evidentemente caribeña, encontramos. La frase del negociador americano: “ ¿No saben que, en Cuba el tiempo significa dinero? Y la prostituta respondiendo: “Yo sí”. O untar al policía con dólares del Monopoly. Batista embarcando hasta el piano de cola o el gesto del aduanero explicitando money money. Película de tópicos donde los traficantes de armas son vendedores de tractores y las cubanas se contonean a ritmos de son, con tibias pinceladas de esa miseria que los panfletos turísticos esconden y de esa democracia de la que se presume cuando se carece. Y como diría Carlos Puebla y sus Tradicionales, “En eso llegó Fidel…”

Excelente Sean Connery. Su ex-imagen Bond hacía presumir un film de agentes secretos o cuando menos de complicadas e inconfesables tramas económico-políticas. Pero no. Al final, casi todo acaba condensado en un romance con la “blandita” señora de Pulido (Brooke Adams) y en un pies para qué os quiero. Fin de ciclo. Fin de película. Podría finalizar con aquel Continuará…Permanezcan atentos a la pantalla. La cosa evidentemente continuó y en esas estamos, sesenta años después.

Puntuación: 6

EL MONOCULO NEGRO (GEORGES LAUTNER - 1961)

2011-05-05T07:39:00.004+02:00

Basándose en una obra del excombatiente francés Coronel Rémy, Georges Lautner realiza una comedia negra más encuadrable dentro del humor inglés que del galo. La película tuvo bastante éxito permaneciendo en las pantallas francesas durante más de una temporada y siendo el film matriz de una serie de 3 películas de las que forman parte L´oeuil du monocle y Le monocle rit jaune.

Este Monocle Noir deja buenas sensaciones. La película cumple siempre que no seamos demasiado exigentes y pongamos el listón de nuestras expectativas demasiado alto. Por lo leído las secuelas superan el original y quedan apuntadas en la agenda de buenos propósitos a corto plazo. Por cierto, tengo un postit en la nevera de comprar una nueva agenda que la antigua tiene anotaciones hasta en el santoral.

Le monocle noir es una película de espías o mejor, de agentes secretos con pocos secretos, como dice Bernard Blier en la introducción. Interpretada por un buen elenco de actores franceses identificables debajo de los Pirineos, tales como el propio Blier, Paul Meurisse, Albert Rémy (desconozco si había parentesco con el coronel), Jacques Marin y Elga Andersen, fémina cuya presencia se agradece, la película cuenta en clave de polar francés y humor británico los propósitos neonazis de un conde francés y un conjunto de “presuntos” adeptos a la causa hitleriana entre los que se cuenta el Comandante Dromard apodado “le monocle” (Paul Meurisse).

El nazismo no era un tema humorístico en la novela de partida. Sin embargo Lautner consigue desmitificarlo un tanto manteniendo el tono de comedia en límites francamente comedidos que esbozan sonrisas más que carcajadas. Es un primer paso, tal vez demasiado temeroso de una reacción contraria del público francés. El éxito de la película permitió que en las secuelas (según cuentan las crónicas) se mostrase otro tipo de humor mucho más abierto. Eso ya se verá y se contará.

La película también trata de parodiar en clave “ja” las películas de espías. Tiene éxito en este sentido. Y además nos trae el recuerdo de alguna escena magistral del mago del suspense, como aquella de Con la muerte en los talones en el edificio de las Naciones Unidas.

No estamos ante un film maestro. No es imprescindible ni siquiera necesario. Pero si les gusta revolotear un poco por ese cine semidesconocido de director un tanto en el ostracismo popular (aunque dirigió El profesional con Jean Paul Belmondo) esta es una ocasión interesante.

Puntuación: 6,5

TOTO E I RE DI ROMA (STENO, MARIO MONICELLI - 1951)

2011-04-28T07:01:00.000+02:00

Sonría por favor. Esta era una recomendación televisiva relativamente reciente que debió calarme subliminalmente hasta el punto que, con cierta frecuencia, añado a mis cócteles pastilleros una peli de risa. Les aseguro que la receta funciona, aunque eso sí, hay que abstenerse de genéricos indigeribles y procurarse píldoras de laboratorios de calidad certificada. Mario Monicelli lo es, como ya sabrán todos los que vieron Rufufu o Amici Miei y quienes no las vieron ¿A qué están esperando?.

Monicelli y Totó consiguen el más difícil todavía, la carcajada del espectador siglo XXI en su soledad de corredor desfondado ante el televisor. De la mezcla de socorridos tópicos y momentos absolutamente surrealistas surge un humor corrosivo, ácido, crítico por momentos y al final tierno. Con la modernidad le han salido demasiadas canas a este tipo de cine. Las nuevas generaciones difícilmente se reirán con una película italiana de los 50 donde se saca punta a la burocracia, al espíritu latino, a los comadreos de escalera y hasta al mismísimo paraíso. Quienes no vivieron aquel sentido de las cosas es imposible puedan captar dobles sentidos. Italia y España, primas hermanas en esto, hemos intercambiado estampitas y algunos podemos sonreírnos sin sonrojarnos cuando vemos la paja en el ojo ajeno, porque sabemos que es la misma paja que afincó sus reales durante mucho tiempo en el nuestro.

La historia de un funcionario jefe de archivos, cuya batalla contra el esquivo escalafón está irremisiblemente perdida se ve alterada a consecuencia de un incidente casual que afecta a su jefe superior. La pérdida de un expediente, los premios de la Lotto, la búsqueda de un papagayo y el futuro de su mujer y cuatro hijas, constituyen los hilos de una madeja que se va desenredando entre gags y expresiones del cómico italiano Totó, hasta culminar en una parodia surrealista del Olimpo divino.

Al lado de las obras maestras coexisten películas como esta. Si nuestra búsqueda de Santos Griales no es demasiado obsesiva podremos sacar partido de ellas y pasar un rato entretenido. También se trata de eso.

Un apunte final, esta película tardó más de un año en ser autorizada su exhibición. Lo que hoy nos parece de una inocencia celestial debió tener sus dobles propósitos y sentidos poco confesables para los vigilantes de la honra de la patria italiana. Bueno, Monicelli, por lo que sabemos de él siempre fue un poco transgresor.

Puntuación: 6,5

FLAMINGO ROAD (MICHAEL CURTIZ - 1949)

2011-04-25T07:00:00.000+02:00

Flamingo Road es una calle. Una calle localizada en cualquier ciudad. Aquí estamos en Boldon, ciudad norteamericana inexistente pero que sirve perfectamente como ejemplo de urbe con intereses políticos poco confesables donde las fortunas tradicionales y las advenedizas (léase corrupción) comparten vecindario en esa especie de boulevard de los sueños cumplidos a cualquier precio.

Pero al mismo tiempo, Flamingo Road era una trampa-bomba preparada por la Warner, en la persona de Jack Warner a una de sus estrellas en declive, Joan Crawford. Esta trampa cuya finalidad era abaratar el despido de la artista, les explotó en sus propias manos y la película relanzó la carrera de la star durante unos años más. La conjunción Crawford-Curtiz volvió a funcionar bastante bien y sin alcanzar el nivel de su anterior colaboración, Mildred Pierce (Oscar para la actriz), la película deja un buen sabor de boca, hecho al que no es ajena la excepcional interpretación de un Sydney Greenstreet maliciosamente sudoroso y adiposamente execrable, Vamos, una perla, al nivel cuando menos de su “hombre gordo” de El halcón maltés. Sin Lorre eso sí.

De la carrera de la Crawford todavía quedaban por llegar joyas como ¿Qué fue de Baby Jane?, donde la edad no permitía excelsos destapes, pero en este Flamingo Road aun deja constancia de sus bien formadas piernas en su presentación como una bailarina de feria a la que el destino, en forma de ayudante del sheriff (Zachary Scott), catapulta a la cima de la política local y al vecindario de la calle Flamingo.

Es probable que a algunos les suene a película de TV y especialmente a una exitosa serie semanal de los 80 protagonizada por Mark Harmon y Morgan Fairchild, El mangoneo y la corrupción siempre han dado mucho juego.

Puntuación: 6,5

SOPA DE GANSO (LEO MC CAREY - 1933)

2011-04-22T07:31:00.003+02:00

Olvídense ustedes de las sopas de sobre y de los caldos instantáneos. Estamos ante la crema de las cremas, una auténtica sopa de marisco de las rías gallegas. Esta “Sopa de ganso” es el non plus ultra de las sopas cinematográficas. Seguro que la mayoría de ustedes conocen y se han reído con esta genialidad de los Marx en estado puro. Este post pretende que sonrían al recordar algunos de las “perlas” del guión y de sus hilarantes gags, y seguramente animarles a volver a ver la película.

Aparentemente resulta chocante que la película resultase, en origen, un pequeño fracaso. Estábamos en 1933 y en años difíciles donde la risa se cotizaba muy muy alto. El humor de los Marx no dejaba títere con cabeza. Ni la guerra, ni los políticos se salvaban de sus dardos cargados de veneno. Hasta el personaje de Chiccolini molestó al Ducce quien prohibió la exhibición del film en Italia. Los nombramientos “a dedo”, la apología de la corrupción fueron algunas de sus irreverencias. Sus transgresiones tocaron techo y en sus posteriores trabajos con la MGM, de lo mejor de su carrera, suavizaron un tanto su acidez. Se centraron más en la interpretación que en la pulla y aunque siguieron siendo inigualables fueron distintos.

La rivalidad entre dos países vecinos (Freelandia y Sylvania, fotografía de Loja incluida para este último), el nombramiento de Rufus T. Firefly (Groucho) como nuevo presidente y las disputas por el amor de la adinerada viuda Gloria Teasdale (Margaret Dumont) son las piedras angulares de un guión que camina de disparate en disparate entre situaciones poco menos que surrealistas (recuerden la escena del espejo, los tatuajes de Harpo, el juego de las adivinanzas o las bofetadas al embajador de Sylvania, por citar tan solo algunos ejemplos) y perlas madrepóricas como estas:

Sra. Teasdale: ¡Oh Excelencia! Le estábamos esperando. Como presidenta del comité de recepción le expreso los mejores deseos de cada hombre, mujer y niño de Freedonia.
Rufus T. Firefly: No diga tonterías. Coja una carta.
Sra. Teasdale: ¿Una carta? ¿Y qué hago con una carta?
Rufus T. Firefly: Se la puede quedar, aún me quedan cincuenta y una. Bueno qué decía.
Sra. Teasdale: Como presidenta del comité de recepción le doy la bienvenida con los brazos abiertos.
Rufus T. Firefly: Sí ¿y hasta que hora los tiene abiertos?
Sra. Teasdale: He apoyado su nombramiento porque considero que es usted el consejero más capacitado de Freedonia.
Rufus T. Firefly: Es un concepto bastante amplio. Y usted también es bastante amplia, será mejor que se largue, he oído que van a construir unas oficinas donde está usted. Se puede ir en taxi, si no consigue uno se puede ir indignada. Y si es pronto váyase dentro de un minuto. ¿Sabe que no ha dejado de hablar desde que he llegado? Le habrán vacunado con la aguja de un tocadiscos.
Sra. Teasdale: El futuro de Freedonia depende de usted. Prométame que seguirá fielmente los pasos de mi marido.
Rufus T. Firefly: ¿Qué les parece? No llevo ni cinco minutos en el cargo y ya se me está insinuando. No es que me importe pero, dónde está su marido.
Sra. Teasdale: Oh, ha muerto.
Rufus T. Firefly: Seguro que solo utiliza eso como excusa.
Sra. Teasdale: Estuve con él hasta el final.
Rufus T. Firefly: No me extraña que falleciera.
Sra. Teasdale: Lo estreché entre mis brazos y lo besé.
Rufus T. Firefly: Entonces fue un asesinato. ¿Se casaría conmigo? ¿Le ha dejado mucho dinero? Responda primero a lo segundo.
Sra. Teasdale: Me dejó toda su fortuna.
Rufus T. Firefly: No me diga, no comprende lo que intento decirle, la amo.
Sra. Teasdale: ¡Excelencia!
Rufus T. Firefly: Usted tampoco está mal.

Me he excedido algo más de lo acostumbrado. Pero creo que ha merecido la pena.

Mi puntuación: 10 (el diez también existe)

TENER Y NO TENER (HOWARD HAWKS-1944)

2011-04-19T09:00:00.001+02:00

Con un inconfundible aroma a Casablanca, Tener y no tener es una película imprescindible para cualquier cinéfilo. En ella asistimos al debut cinematográfico de “La mirada” (Lauren Bacall) y a ese momento mágico en que “ la flaca” y Boogie se enamoraron para deleite de los espectadores y beneficios del productor. ¿Qué importan 20 años y 45 si el amor es puro? El tiempo demostró que nada.

Partiendo de una novela de Ernest Hemingway y en una especie de apuesta entre el autor y Hawks, los guionistas Jules Furthman y el también Premio Nobel William Faulkner hicieron de la novela una película que conservaba la línea de partida del libro (la de un hombre casado y con hijos dedicado, para sobrevivir, a transportar en su barco a personajes de distinta condición) pero que se modifica sustancialmente para incorporar una historia de amor, ficticia a la par que real, en un contexto político similar al de Casablanca que aquí se traslada a Martinica al descartarse la opción, literaria, cubana, por razones de oportunismo también político.

Naturalmente la película es Lauren. Su primera línea de diálogo “¿Tiene una cerilla?” apoyada seductoramente en la puerta de su habitación es toda una declaración de intenciones a Boogie y a los espectadores. Es una frase con pasado y naturalmente con futuro. A partir de aquí ya sabemos lo que va a pasar con Bogart. Si encima al poco le dice “Si me necesitas, silba…” pues confirmadas nuestras sospechas. A Bogart le han dicho ven y lo deja todo. El resto es un no pero si. Un ni contigo ni sin ti.

Es cierto y así lo señalan algunas críticas que determinadas situaciones no resultan demasiado creíbles. Tal es el caso del comportamiento del exiliado francés y especialmente de su mujer, personaje cuya función principal parece la de exacerbar los celos de Marie alias “flaca”. El tirón de Casablanca y su estela eran todo un reto y la pareja exiliada parece confirmarlo. Sin embargo, por mucho Vichy y mucho piano, entre ambos films hay muchas diferencias y entre ellas una diferente historia de amor. La de un pasado en Paris y la de un futuro que se abre en dirección a la isla del Diablo. Y los inicios de grandes amistades se quedan atrás en la Martinica.

Con la imaginación haciendo frente al código Hays “he venido a la Martinica para comprarme un sombrero”, con un secundario de primera como Walter Brennan, con un Bogart muy en esa imagen entre duro y pedazo de pan que se ha ido forjando fotograma a fotograma, y con los ojos de Lauren, la película es una absoluta obligación para cualquiera que le guste el cine.

Puntuación: 8,7

MUNDOS OPUESTOS (MERVIN LEROY - 1949)

2011-04-16T18:40:00.001+02:00

Entre las más grandes actrices de todos los tiempos figura Barbara Stanwyck. Mi devoción por Barbarita está confesada hace mucho tiempo. Perdición, Stella Dallas, Juan Nadie, Annie Oakley y un largo etcétera han jalonado la espléndida carrera de esta señora de la escena. Por ello, no dejo escapar ninguna oportunidad de ver alguno de sus muchos trabajos. Es el caso de Mundos Opuestos de Mervin Leroy donde comparte cartel con James Mason, Van Hefflin y Ava Gadner. ¡Ahí queda eso!

Comparada con los melodramas de Douglas Sirk, Mundos Opuestos resulta bastante más light de lo acostumbrado en este tipo de películas. Como las penas con pan son menos es probable que las infidelidades amorosas entre la clase adinerada newyorkina rocen más la categoría de pasatiempo para “snobs” que verdaderas tragedias. No obstante Barbara Stanwyck consigue dar credibilidad a su papel de esposa enamorada dispuestísima a perdonar a su marido (James Mason) quien trata de superar su adicción a una Ava Gadner que, si cuando va de “normalita” es un tormento cuando se pone a provocar seductoramente es un auténtico infierno al que cualquier hombre se tira de cabeza. Y evidentemente el zorro del desierto Mason arde más que el Yang Tse en llamas.

A destacar la característica música de Miklos Rozsa y algunos encuadres fotográficos dignos de encomio. La resolución de algunas situaciones como la última conversación entre Brendon Bourne (Mason) y su suegra es excepcional tanto por lo que hace a los diálogos como a la dirección de Leroy y por lo que se refiere a esa aproximación puntual al cine negro con la que se resuelve el problema en la línea “muerto el perro se acabo la rabia” se agradece aunque se trate de una solución fácil y expeditiva. Ya quisiera Poirot (belga, que no francés) desenmascarar al asesino con la misma “vitesse” ¡mon Dieu!

En resumen, un trabajo mejorable pero sumamente correcto de la MGM con gancho suficiente como para captar a los espectadores de la época (Venus era mujer y Ava mucha mujer) y también a quienes como nosotros (y hablo también por ustedes que siguen este blog) sabemos valorar la calidad de actores y actrices como los que aquí intervienen. La perfección ni vive arriba ni hay que obsesionarse en su búsqueda. Lo que hay que hacer es sacar lo positivo de películas como esta y disfrutar…

Mi valoración: 7,2

LA NIEBLA (JOHN CARPENTER - 1980)

2011-04-02T09:15:00.000+02:00

Encuadrable en el género de ficción La niebla es una película correcta de calidad algo superior a la media acostumbrada en un tipo de cine donde, con la excusa de las posibilidades ilimitadas de la ficción y los balbuceos de la ciencia en determinados terrenos, vale todo o casi todo. Por lo general las obras que en este género han sobresalido suelen mantener coherencias a pesar de lo increíble que puedan ser sus argumentos. Recuerden El hombre invisible o La invasión de los ladrones de cuerpos por poner tan solo dos ejemplos. Evidentemente un buen guión ayuda y un director que sepa lo que se hace, también.

En este caso el guión es del propio Carpenter quien lo escribió conjuntamente con Debra Hill, basándose en una idea que nació en su visita a Stonehenge un día donde la niebla lo abarcaba todo. De aquella sugerente idea nace una película de bajo presupuesto, tan solo 1 millón de dolares que aunque no se rentabilizaron como anteriores trabajos de Carpenter-Hill, léase Halloween, consiguio la nada desdeñable cantidad de 21 millones.

La niebla es la historia de una venganza demorada en el tiempo. A bordo de un buque fantasmal escondido en una extraña y luminosa niebla, los cadáveres de una tripulación pirata que naufragó frente a Antonio Bay de forma no casual sino con la premeditación y alevosía de los costeños, se toman por su mano la justicia y la vendetta larvada durante siglos, a golpe de garfios afilados y oxidadas hachas. Por ello, el día que se cumple el aniversario de tal naufragio y que coincide con la festividad fundacional de la pequeña comunidad costera, la niebla envuelve desde un barco pesquero hasta la iglesia, pasando por el faro donde está instalada la emisora de radio local y que por su elevada posición sirve de alerta a la ciudadanía de lo que está ocurriendo.

Un detalle significativo es que, a diferencia de lo que suele ocurrir en esta clase de trabajos, la tomatina no es el condimento principal. La historia es buena y toma referencias de Poe y especialmente de H.P. Lovecraft (el puerto de Innsmouth) y en ella el suspense y los sobresaltos están adecuadamente bien medidos. Para los puristas del cine de terror La niebla no cumplió las expectativas dejadas por otros trabajos mas "duros" de Carpenter pero para quienes las impresiones excesivamente fuertes y el "gore" no nos van demasiado, es un trabajo perfecto en su inquietante sencillez. Obvia decir que se ha convertido en un film de culto.

Con un look años 60, que cuenta con la presencia de una jovencita Jammie Lee Curtis (niña progre autoestopista) y de su madurita y veterana madre, que tuvo y retuvo, Janet Leight, enfrascada en otro tipo de psicosis. También intervien Adrianne Barbeau, esposa por aquel entonces de Carpenter, junto a otros rostros menos identificables pero conocidos.

Cuando comenté en este blog Asalto a la comisaría del Distrito 13 ya dije que Carpenter era un buen director para el que la imaginación superaba al presupuesto. Pues eso mismo...

EL CAPITAN NEWMAN (DAVID MILLER - 1963)

2011-03-30T18:33:00.001+02:00

El capitán Newman hubiese sido la película perfecta junto con la recordada MASH, de un programa como el recordadísimo “La clave” de Balbín, para ilustrar un debate sobre cine de guerra y psiquiatría. Probablemente tal debate hubiese abordado la cuestión de la vulgarización de un tema altamente profesional y especializado así como si el cine comercial es el medio adecuado para acercar a la sociedad la intimidad de las personas con trastornos psicológicos y el complicado entorno en el que se desenvuelven. Por mi parte opino que todo aquello que signifique concienciación de la sociedad debe ser bienvenido y en este sentido el potencial del cine era y sigue siendo inmenso.

Quede dicho. Sin embargo, reitero, el cine comercial es un medio que fundamentalmente busca la evasión y el entretenimiento, incluso frente a la gravedad de problemas como el que nos ocupa. No se trata de documentales formativos súper especializados sino de cine para ver en salas de proyección o en nuestros propios hogares con la bolsa de palomitas o la pizza cuatro estaciones al lado. Traigo esto a colación porque desde ambientes profesionales se desprestigia un film como “Captain Newman, M.D.” por su tono distendido con visos de comedia y su falta de rigor científico. Así, se ha dicho que el desgastado mamotreto que maneja el enfermero Cabo Jackson Leibowitz (Tony Curtis) con el nombre de "Psycho-Pathology of Everyday Life" y autoría de Sigmund Freud tiene en la realidad tan solo 36 hojas y que los tratamientos dados por el Capitán Newman a sus pacientes más complicados carecen de rigor científico. OK. Plenamente de acuerdo. Pero es que quien realiza estas afirmaciones sabe de psiquiatría pero no de cine.

El cine tiene, entre otras, connotaciones propagandistas, culturales y de concienciación y no busca tanto la verdad absoluta como el camino para sensibilizar al espectador. En el caso de El capitán Newman la película se sitúa en una cuerda floja entre la crueldad (“nuestro deber es curar a estos muchachos para que regresen y los maten”) y la realización personal (“un hombre necesita saber que su paso por el mundo habrá servido de algo”), refiriéndose a la muerte en la guerra. Este no decantarse ni por la opción antibelicista ni por la belicista, penaliza el film, aunque consigue claramente impactar en nuestras adormecidas conciencias con escenas como la del Teniente Jim Thompkins (Bobby Darin) sometido a tratamiento para liberar esos “fantasmas” que lo traumatizan. Ciertamente sobrecogedora la escena le valió al actor-cantante, la nominación para el Oscar al mejor actor de reparto.

Bien Tony Curtis. Excepcionales Angie Dickinson y Gregory Peck. Se agradece contar con Robert Duvall y Eddie Albert. Y en conjunto una película más que aceptable que, a pesar de su tono ligero y en ocasiones cómico, contiene momentos de extrema dureza, hasta el punto que, hace unos años, tuvo sus dificultades de exhibición en las cadenas televisivas norteamericanas. Les aseguro que, habiendo llovido, la escena de marras aún pone los pelos de punta.